<p class='article-text'><br>يطل علينا فيلم فيم فيندرز الصادر عام 1984 محفوفاً بهالة من التبجيل شبه الإجماعي، فهو عمل متوج بجائزة السعفة الذهبية، وركيزة دائمة في قوائم أعظم الأفلام، ومرجع يستحضره النقاد كلما أرادوا وصف الجمال السينمائي الخالص. <br>وحين تشاهده يسهل عليك استيعاب سر هذا التبجيل، تماماً كما يسهل عليك أيضاً الوقوف منه على مسافة حياد متحفظة، ومن دون انغماس عاطفي.<br>يبدأ الفيلم برجل أبكم يخرج تائهاً من قلب صحراء تكساس، يجسده هاري دين ستانتون بسكون مطبق، يكاد يلامس جمود الطبيعة وتكويناتها الجيولوجية (ينطق بالكلمة الأولى عند الدقيقة 27)، وما يتلو ذلك انفراط تدريجي لخيوط القصة: عائلة محطمة، وزوجة مفقودة، ولقاء لا يتحقق إلا بعد نحو ساعتين من صمت شبه تام. <br>المصور السينمائي روبي مولر هو المؤلف الحقيقي للفيلم بألوان نيون مشبعة، وكوادر بصرية تذكرنا بلوحات الرسام إدوارد هوبر، وآفاق أمريكية شاسعة، صُوِّرت بشغف أوروبي مفتون بالأسطورة الأمريكية، فلم يكن فيندرز، وهو أحد أبرز رواد حركة السينما الألمانية الجديدة، يصنع فيلماً عن تكساس بقدر ما كان يصنع عملاً عن فكرة تكساس ذاتها، بعدما رُشحت عبر عين مراقب أجنبي يقف في الخارج.<br>تستحق نظرة المراقب الأجنبي الوقوف عندها والتأمل فيها؛ إذ قد تفسر لنا السبب وراء خروج المشاهد من الفيلم بحالة من الإعجاب والانبهار بدلاً من التأثر العاطفي الصادق، فالموسيقى التصويرية التي وضعها راي كودر بآلة «السلايد غيتار» (Slide-guitar)، والتي كثيراً ما تُصنف ضمن أعظم الموسيقات التصويرية في تاريخ السينما، قد تُحدث أثراً عكسياً لدى الأذن المتشككة: فبدلاً من أن تُعمّق المشهد، قد تبدو وكأنها إشارة ملزمة للشعور بشيء عجزت الصور عن إيصاله بمفردها، إنها تعلن عن الأهمية بدلاً من أن تولدها تلقائياً.<br>أما ذروة الفيلم العاطفية اعتراف ترافيس (ستانتون) لجين (ناستازيا كينسكي) من وراء الزجاج العاكس ذي الاتجاه الواحد في كابينة عرض مقصورة فعادة ما توصف بأنها أحد أعظم المونولوجات في تاريخ الفن السابع، ومن الصعب المجادلة في ذلك من حيث الحِرفية السينمائية البحتة، فالكاميرا تتأمل الكابينة الضيقة بدقة فائقة، تكاد تلامس الهوس، في حين جاء نص سام شيبارد مقتضباً وشاعرياً، غير أن قوة هذا المشهد هي ذاتها مكمن محدوديته؛ فقد بنى فيندرز وشيبارد ذروة الأحداث حول حاجز فاصل (لوح زجاجي بالمعنى الحرفي)، بحيث لا يستطيع الطرفان، حتى في لحظة المكاشفة وتصفية الحسابات، الوصول إلى بعضهما البعض بشكل كامل. <br>إنه خيار شكلي وأسلوبي متعمد، وهو في الوقت ذاته، بالنسبة لبعض المشاهدين، لبّ المشكلة بالضبط: فيلم عن تفكك أسري، يقدم أكثر مشاهده عاطفية عبر قنوات القيد، والمسافة، والأداء المصطنع. يمكنك بلا شك الإعجاب بالهندسة البصرية لذلك الخيار، من دون أن يمس وجدانك في شيء عند مغادرتك لشاشة العرض.<br>وهنا تحديداً يدعونا «باريس، تكساس» إلى المقارنة مع فيلمي طريق أمريكيين آخرين، بُنيا على الهيكل ذاته فيلم The Straight Story عام 1999 لديفيد لينش، ومن بطولة ستانتون أيضاً، وفيلم Nebraska عام 2013 لألكسندر باين. <br>يتتبع كلا العملين رجلين وحيدين يعبران مساحات أمريكية شاسعة نحو مواجهة وتصفية حسابات مع عائلة متباعدة، ويعتمد كلاهما على الصمت والبساطة الفطرية بدلاً من توالي الأحداث المثيرة، لكن في حين يُبقي فيندرز كاميرته مفتونة بالمشهد الطبيعي والأسطورة المتخيلة يظل لينش وباين وكلاهما أمريكيان لا ينظران برومانسية إلى بلادهما، التي يصورانها، بل يبقيان ملتصقين بالشخصية الإنسانية ذاتها. <br>ألفين ستريت وهو يتهادى ببطء عبر ربوع آيوا على متن جزازة عشب، أو نظرة وودي غرانت الشاخصة الخاوية من نافذة السيارة في نبراسكا المصورة بالأبيض والأسود، يكتسبان قوتهما لا من التكوين البصري، بل من القرب غير المتكلف من الندم.<br> لا يوجد لوح زجاجي يفصل المشاهد عن هذين الرجلين؛ فالكاميرا لا تقف لتتأملهما بإعجاب خارجي، بل ترافق روحهما ببساطة.<br>لا يقلل أيٌّ من هذا من شأن «باريس، تكساس» كونه إنجازاً تقنياً وتاريخياً رفيع فالأداء التمثيلي يظل استثنائياً، واللغة البصرية تظل ملهمة ومؤثرة حقاً، ومكانته في تاريخ السينما راسخة لا شك فيها، بيد أن الأهمية التاريخية والألفة الحميمة لا تقعان على المحور ذاته، فقد يكون الفيلم محبوكاً بدقة متناهية، ومصوراً بجمالية آسرة، ومؤدى ببراعة فائقة، ومع ذلك يُبقي جمهوره على المسافة الفاصلة ذاتها التي يضعها بين شخصياته.<br>ولعل مسألة تلقي تلك المسافة سواء اعتُبرت براعة فنية خالصة أم غياباً للشعور لا ترتبط بالذائقة الفردية بقدر ما ترتبط بنوعية الرحلة، التي يرغب المشاهد في خوضها داخل فيلم عن رحلة طريق.</p>

المسافة في «باريس، تكساس»: لماذا قد تتركك تحفة سينمائية بمشاعر باردة؟

<p class='article-text'><div data-empty="false">في مشهد درامي يعيد رسم خريطة الفن السابع من أساسه، لم تعد شاشات العرض التقليدية الضخمة هي السيد المطاع؛ بل تقف صالات السينما اليوم على حافة أزمة وجودية طاحنة. فبينما تتهاوى إيرادات الأفلام التقليدية متوسطة الميزانية وتتعثر استوديوهات العمالقة تحت وطأة تكاليف باهظة ومقاعد خاوية، تشتعل بهدوء ثورة رقمية كبرى تقودها «السينما المستقلة». </div></p><p class='article-text'>فهذه الأعمال التي وُلدت بعيداً عن أضواء هوليوود الباهرة وجدت في منصات البث الرقمي والبديل طوق نجاة تاريخياً، متجاوزة جشع شباك التذاكر ووسطاء التوزيع لتصنع قواعد جديدة للعبة تدار بقوة الذكاء الرقمي والوصول العضوي المباشر للجمهور العالمي، مما أعاد تماماً صياغة المفهوم الحقيقي للفيلم الناجح في العصر الحديث.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">وتعكس لغة الأرقام المالية قسوة هذا الإنقلاب الذي يضرب القاعات التقليدية؛ إذ تواجه الأعمال التي تراوحت ميزانياتها بين 30 و60 مليون دولار كابوساً حقيقياً في استرداد تكاليفها ضمن صالات العرض الأولى، حيث تظهر البيانات أن نحو 70% من هذه الأفلام تعجز عن تغطية تكاليف الإنتاج والتسويق التي تتجاوز غالباً ضعف ميزانية الصنع في ظل الهيمنة المطلقة لسلاسل الأبطال الخارقين التي تستحوذ على أكثر من 80% من شاشات العرض الكبرى في عطلات نهاية الأسبوع الافتتاحية. </div></p><p class='article-text'>هذا الإخفاق التجاري المتكرر دفع صناع السينما المستقلة إلى الهروب المنظم نحو نماذج إنتاجية وتسويقية ذكية تعتمد كلياً على تفاعل المجتمعات الافتراضية عبر الإنترنت.</p><p class='article-text'><b>ظاهرة جماهيرية</b></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ولم تعد مقاييس النجاح السينمائي محصورة في رقم شباك التذاكر باهظ التكلفة في أسبوع الافتتاح، بل أثبتت تجارب حية وأرقام فلكية قاطعة أن الإبداع الحقيقي لا يحتاج إلى خزائن هوليوود الممتلئة. </div></p><p class='article-text'>وخير مثال على ذلك فيلم الخيال العلمي الكوميدي المستقل «Everything Everywhere All at Once» للمخرجين الثنائي دانيال كوان ودان شاينرت؛ فقد انطلق هذا العمل الفريد بميزانية ضئيلة نسبياً لم تتجاوز 25 مليون دولار، ليتحول تدريجياً إلى إعصار عالمي جارف حصد 7 جوائز أوسكار كبرى، ويتخطى إجمالي إيراداته الصافية حاجز 141.6 مليون دولار عالمياً، مبرهناً أن القصص الأصيلة قادرة على تحقيق عوائد استثمارية تتجاوز 560% من الميزانية الأصلية بعيداً عن سلاسل الاستوديوهات الضخمة.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">وعلى المنوال ذاته، سار فيلم الرعب النفسي المستقل «Talk to Me» للمخرجين الأستراليين داني وميخائيل فيليبوت، ومن إنتاج استوديو «A24»، ليحطم كافة التوقعات المسبقة بميزانية إنتاجية لم تتخطَ 4.5 مليون دولار فقط. </div></p><p class='article-text'>وقد سجل الفيلم ظاهرة جماهيرية كبرى عبر استراتيجيات التسويق الرقمي الذكي وعروض المهرجانات والتفاعل العضوي على منصات التواصل، حتى بلغت إيراداته العالمية أكثر من 92.1 مليون دولار، محققاً عائداً مالياً هائلاً يناهز 20 ضعف ميزانيته ومؤكداً صلابة التوزيع البديل وقدرته على المنافسة الشرسة.</p><p class='article-text'><b>البث الرقمي</b></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ولم تقتصر لغة الأرقام المذهلة على ذلك، بل برز فيلم الدراما الموسيقية «CODA» للمخرجة سيان هيدر، والذي أنتج بميزانية محدودة بلغت نحو 10 ملايين دولار فقط، واستطاع بفضل منصات البث الرقمي وعروض الطلب المباشر أن يحقق نجاحاً باهظاً عابراً للقارات، محققاً أرباحاً قياسية وعوائد مشاهدة غير مسبوقة تُقدر بعشرات ملايين المتابعات بعد تتويجه بأوسكار أفضل فيلم. </div></p><p class='article-text'>كما يبرز فيلم الدراما والإثارة المستقل «Nomadland» للمخرجة كلوي جاو، بميزانية لم تتجاوز 5 ملايين دولار، ليحصد 3 جوائز أوسكار وإيرادات عالمية تجاوزت 39.5 مليون دولار وسط إشادة نقدية عالمية واسعة كرّست تفوق السينما البديلة على الإنتاجات الضخمة التي تكبدت خسائر تجاوزت 100 مليون دولار في ذات العام.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">و لفتت تقارير شباك التذاكر العالمي الصادرة عن مؤسسات أبحاث السوق مثل «كومسكور» (Comscore) إلى أن حصة الأفلام المستقلة ومنخفضة الميزانية على منصات البث قد نمت بنسبة تفوق 45% مقارنة بعام 2020، بينما تراجعت إيرادات دور السينما التقليدية للأفلام غير الهوليودية بنحو 30%. </div></p><p class='article-text'><b>مساحات حقيقية</b></p><p class='article-text'>ويرى كبار النقاد والمخرجين العالميين أن هذه التحولات تمثل إنقاذاً حقيقياً للفن السابع؛ ومستقبل السينما يكمن في قدرتها على التحرر من سطوة الخوارزميات التجارية البحتة وإيجاد مساحات حقيقية للأصوات المستقلة الجريئة، كما ان منصات البث والتوزيع الرقمي التي تضخ استمراراً لمليارات الدولارات في الإنتاج المستقل قد منحت المخرجين الشباب قبلة الحياة، وحررتهم من شروط شباك التذاكر القاسية.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">وبالتالي، باتت منصات البث الرقمي ونماذج الطلب المباشر (VOD) تضخ أرباحاً وتدفقات مالية مستدامة تمتد لأشهر طويلة بعد الطرح الأول، لتمنح المخرجين المستقلين حرية مطلقة في طرح قضايا جريئة بمعزل عن مقص الرقابة التجارية والاستهلاكية لهوليوود. </div></p><p class='article-text'>إننا أمام مشهد استثنائي تعلن فيه السينما المستقلة نهاية عصر شباك التذاكر التقليدي، وتؤسس لعهد جديد تُكتب فيه نجاحات الأفلام بشغف الإبداع لا بسلطة الاحتكار، معلنة مولد نظام بيئي متكامل يضمن استدامة الفن السابع للأجيال القادمة.</p>

ميزانيات مجهرية وأرباح فلكية

25 مليوناً تحصد 141.6 مليوناً.. كيف حطّمت السينما المستقلة أساطير شباك التذاكر؟

<p class='article-text'><br>يعتقد البعض أن المشاهير في عالم الفن تزدحم حياتهم بصور الفرح والبهجة والسعادة والحياة المرفهة، وأنهم لا يعرفون صور الحرمان واليأس، وما يرافقهما عادة من معاناة وشقاء وألم. وهذا لعمري اعتقاد خاطئ، بدليل أن العديد منهم لئن تخللت حياتهم فصول من البهجة والسعادة، فإن حياتهم عرفت أيضاً فصولاً أخرى مأساوية وحزينة.<br>وأمامنا قصة الفنانة المصرية الراحلة «سميحة محمد زكي النيال»، الشهيرة فنياً باسم ناهد شريف، كمثال لما نقول. فهذه التي حباها الله بملامح مصرية جميلة، فكانت بمثابة جواز سفرها إلى عالم النجومية والشهرة والأضواء في ستينيات وسبعينيات القرن العشرين، بدءاً من ظهورها في فيلم «حبيب حياتي» لنيازي مصطفى عام 1958، ثم قيامها بدور البطولة في فيلم «أنا وبناتي» للمخرج حسين حلمي المهندس، تخللت حياتها محطات مأساوية عدة، منذ تاريخ ميلادها ببني سويف في الأول من يناير سنة 1942، ابنة لضابط شرطة، ولأسرة مكونة من 3 شقيقات، كانت هي الوسطى بينهن، وحتى وفاتها بالقاهرة في السابع من أبريل 1981.<br>المحطة المأساوية الأولى كانت في طفولتها، حينما كادت أن تصاب بشلل الأطفال، الذي كانت شقيقتها تعاني منه، لكنها تعالجت منه، رغم تركه أثراً على حركة يدها اليسرى. <br>ثم جاءت المحطة الثانية بوفاة والدها وهي في الرابعة عشرة من عمرها، لتتلوها المحطة الثالثة، بوفاة والدتها في يوم زفاف شقيقتها الكبرى إيناس. وهكذا عاشت يتيمة الأبوين، وفي ضائقة معيشية، قبل أن تخرجها صديقة العائلة الفنانة زبيدة ثروت من حالتها الصعبة، بتشجيعها على العمل في السينما. <br>في السينما، قابلت المخرج حسين حلمي المهندس، الذي اكتشف موهبتها وقدمها في فيلمي «أنا وبناتي» و«تحت سماء المدينة»، ثم أغرم بها وتقدم للزواج منها، فوافقت، رغم فارق السن الكبير بينهما. وهنا جاءت رابعة المحطات الحزينة في حياتها، إذ سرعان ما دبت الخلافات بينهما، لينتهي زواجها الأول بالطلاق. <br>بعد ذلك تعرفت إلى الفنان كمال الشناوي، وأغرمت بشبابه وحيويته وإطلالته السينمائية الجميلة، وتزوجا، لكن زواجهما ظل سراً، لأن الشناوي كان وقتها متزوجاً من سيدة أخرى، فعانت ناهد شريف نفسياً لمدة ست سنوات، من كونها الزوجة الثانية، قبل أن تطلب الانفصال، وتسدل الستار على خامس المحطات المؤلمة في حياتها.<br>الفصل المؤلم السادس في حياتها، بدأ بتعرفها في لبنان، الذي كانت تتردد عليه لتصوير بعض أفلامها، إلى الفنان اللبناني الأرمني إدوارد جرجيان، الذي تزوجته مدنياً، بسبب اختلاف دينه عن دينها، على الرغم من تحذير أصدقائها لها بعدم الإقدام على تلك الخطوة، لكنها لم تصغِ لنصائحهم، وكانت النتيجة أن تخلى عنها جرجيان في أشد وأصعب الأوقات في حياتها، بعد أن أنجبت منه ابنتها الوحيدة «لينا»، والتي شكلت الفصل المؤلم السابع في حياتها، بسبب حرمانها منها، ونشأتها مشتتة ما بين بيروت والقاهرة ولندن.<br>الفصل الحزين الثامن في حياتها، بدأ حينما أخبرها الأطباء سنة 1979 بإصابتها بسرطان الثدي، ونظراً لتخلي زوجها اللبناني عنها في محنتها هذه، لم تجد أمامها سوى طلب المساعدة من طليقها كمال الشناوي، الذي ساعدها في الذهاب إلى السويد للعلاج على نفقة الدولة المصرية، وكادت أن تشفى من المرض بعد عملية جراحية أجريت لها هناك، لولا انتكاستها بسبب إهمال العلاج. وهنا ساعدها الشناوي للسفر إلى لندن للعلاج، لكنها عادت دون نتيجة، واستكملت العلاج بمستشفى القوات المسلحة بالمعادي، قبل أن تفارق الدنيا في رعيان شبابها، تاركة وصية لشقيقتها بأن تعتني بابنتها الوحيدة ذات الأربع سنوات، وبأن تجرى لها مراسم الدفن في أضيق نطاق.<br>وما بين هذا وذاك، مرت شريف بأوقات حزينة ومؤلمة، جراء تعرضها لحملة إعلامية بسبب أدوار الإغراء التي تخصصت فيها على الشاشة، من بعد عدة سنوات في بداياتها قدمت فيها أدوار الفتاة البريئة المغلوبة على أمرها، التي تقع فريسة للذئاب البشرية.</p>

«حكايات أهل الفن»

قصص الفصول المؤلمة في حياة ناهد شريف

<p class='article-text'><br>استضافت سفارة دولة الإمارات في بروكسل «ليلة السينما الإماراتية» في مركز الفنون الجميلة «بوزار»، في أمسية قدّمت التجربة السينمائية الإماراتية إلى جمهور أوروبي ضمّ صنّاع السياسات وممثلي المؤسسات الثقافية وأعضاء السلك الدبلوماسي.<br>وأقيمت الأمسية برعاية محمد إسماعيل السهلاوي، سفير دولة الإمارات لدى مملكة بلجيكا ودوقية لوكسمبورغ الكبرى والاتحاد الأوروبي، بحضور أكثر من 200 ضيف، من بينهم أعضاء المُجتمعيْن الثقافي والدبلوماسي في بلجيكا.<br>وأشار السهلاوي إلى أن دولة الإمارات باتت تحتضن اليوم أكثر من 10 آلاف شركة إعلامية و55 ألف متخصص في القطاع الإعلامي، وأن قطاع الإعلام والترفيه ينمو بنسبة تتجاوز 11 بالمئة سنوياً، وهي أسرع وتيرة نمو يشهدها أي سوق في منطقة الشرق الأوسط.<br>وقال السهلاوي في كلمته خلال الأمسية: «التبادل الثقافي والسينما أداتان من أدوات الدبلوماسية الهادئة. قد يبدو هذا من نافلة القول، غير أنه جدير بالتكرار: فحين يطّلع الناس على أفلام بعضهم البعض وموسيقاهم وثقافتهم ينشأ بينهم تقدير أعمق لا تستطيع السياسة ولا الدبلوماسية التقليدية أن تحقّقه».<br>وأضاف: «لم تكن دولة الإمارات يوماً بلداً يلتفت إلى الداخل. فمنذ القدم كانت مركزاً للتجارة، وحتى اليوم ظلّت تتوجّه دائماً نحو العالم الأوسع. نحن بلد ما انفكّ يمدّ يده إلى الخارج، يبني الصلات، ويصوغ الشراكات، ويبحث عن أرضية مشتركة عبر القارات والثقافات عبر تعزيز قيم التسامح والتعايش واحترام الآخر».<br>ورافق العروض معرض «خلف الإطار» الفوتوغرافي، الذي يسلّط الضوء على حرفية صناعة السينما الإماراتية، من مواقع التصوير والديكور إلى مراحل ما بعد الإنتاج، ليمنح الزوار صورة عن العمل الإبداعي والتقني الذي يقوم عليه هذا القطاع المتنامي في الدولة.<br>وأعقبت العروض جلسة حوارية مُدارة مع صنّاع الأفلام، تناولت السرد الإماراتي، ونمو قطاع السينما الوطني، ودور السينما في بناء التفاهم بين المجتمعات.<br>وفي ختام كلمته، دعا السفير الحضور إلى مغادرة القاعة بسؤال لا بخلاصة، متسائلاً أيّ حكاية ستبقى عالقة في أذهانهم، وقال: «ليس أيّ الأفلام كان الأتقن صناعةً، بل أيّها ستظلّون تحملونه معكم حين تخطون إلى الشارع»، لافتاً إلى أن الإجابة ستختلف من شخص إلى آخر، وأن هذا الاختلاف هو المقصد.<br>وتأتي «ليلة السينما الإماراتية» ضمن برنامج الدبلوماسية الثقافية الذي تنفّذه السفارة في بروكسل، والذي يعزّز التواصل بين الشعوب إلى جانب التعاون السياسي والاقتصادي والتنموي بين دولة الإمارات والاتحاد الأوروبي.<br>وقد استثمرت دولة الإمارات في السنوات الأخيرة استثمارات كبيرة في صناعاتها الإبداعية، دعماً للإنتاج السينمائي الوطني والتدريب والبنية التحتية، في إطار مسيرة التنويع الاقتصادي الأشمل التي تنتهجها الدولة.</p>

ليلة السينما الإماراتية في «بوزار» تمدّ جسوراً بين الإمارات وأوروبا عبر الفن السابع

<p class='article-text'>استضافت سفارة دولة الإمارات في بروكسل "ليلة السينما الإماراتية" في مركز الفنون الجميلة "بوزار" في أمسية قدّمت التجربة السينمائية الإماراتية إلى جمهور أوروبي ضمّ صنّاع السياسات وممثلي المؤسسات الثقافية وأعضاء السلك الدبلوماسي.</p><p class='article-text'>وأقيمت الأمسية برعاية سعادة محمد إسماعيل السهلاوي، سفير دولة الإمارات لدى مملكة بلجيكا ودوقية لوكسمبورغ الكبرى والاتحاد الأوروبي، بحضور أكثر من 200 ضيف، من بينهم أعضاء المُجتمعيْن الثقافي والدبلوماسي في بلجيكا.</p><p class='article-text'>وأشار سعادته إلى أن دولة الإمارات باتت تحتضن اليوم أكثر من 10 آلاف شركة إعلامية و55 ألف متخصص في القطاع الإعلامي، وأن قطاع الإعلام والترفيه ينمو بنسبة تتجاوز 11 بالمئة سنوياً، وهي أسرع وتيرة نمو يشهدها أي سوق في منطقة الشرق الأوسط.</p><p class='article-text'>وقال سعادة السهلاوي في كلمته خلال الأمسية: "التبادل الثقافي والسينما أداتان من أدوات الدبلوماسية الهادئة. قد يبدو هذا من نافلة القول، غير أنه جدير بالتكرار: فحين يطّلع الناس على أفلام بعضهم البعض وموسيقاهم وثقافتهم ينشأ بينهم تقدير أعمق لا تستطيع السياسة ولا الدبلوماسية التقليدية أن تحقّقه".</p><p class='article-text'>وأضاف سعادته: "لم تكن دولة الإمارات يوماً بلداً يلتفت إلى الداخل. فمنذ القدم كانت مركزاً للتجارة، وحتى اليوم ظلّت تتوجّه دائماً نحو العالم الأوسع. نحن بلد ما انفكّ يمدّ يده إلى الخارج، يبني الصلات، ويصوغ الشراكات، ويبحث عن أرضية مشتركة عبر القارات والثقافات عبر تعزيز قيم التسامح والتعايش واحترام الآخر".</p><p class='article-text'>ورافق العروض معرض "خلف الإطار" الفوتوغرافي، الذي يسلّط الضوء على حرفية صناعة السينما الإماراتية، من مواقع التصوير والديكور إلى مراحل ما بعد الإنتاج، ليمنح الزوار صورة عن العمل الإبداعي والتقني الذي يقوم عليه هذا القطاع المتنامي في الدولة.</p><p class='article-text'>وأعقب العروض جلسة حوارية مُدارة مع صنّاع الأفلام، تناولت السرد الإماراتي، ونمو قطاع السينما الوطني، ودور السينما في بناء التفاهم بين المجتمعات.</p><p class='article-text'>وفي ختام كلمته، دعا سعادة السفير الحضور إلى مغادرة القاعة بسؤال لا بخلاصة، متسائلاً أيّ حكاية ستبقى عالقة في أذهانهم، وقال: "ليس أيّ الأفلام كان الأتقن صناعةً، بل أيّها ستظلّون تحملونه معكم حين تخطون إلى الشارع"، لافتاً إلى أن الإجابة ستختلف من شخص إلى آخر، وأن هذا الاختلاف هو المقصد.</p><p class='article-text'>وتأتي "ليلة السينما الإماراتية" ضمن برنامج الدبلوماسية الثقافية الذي تنفّذه السفارة في بروكسل، والذي يعزّز التواصل بين الشعوب إلى جانب التعاون السياسي والاقتصادي والتنموي بين دولة الإمارات والاتحاد الأوروبي.</p><p class='article-text'>وقد استثمرت دولة الإمارات في السنوات الأخيرة استثمارات كبيرة في صناعاتها الإبداعية، دعماً للإنتاج السينمائي الوطني والتدريب والبنية التحتية، في إطار مسيرة التنويع الاقتصادي الأشمل التي تنتهجها الدولة.</p>

ليلة السينما الإماراتية في "بوزار" تمدّ جسوراً بين الإمارات وأوروبا عبر الفن السابع

<p class='article-text'><div data-empty="false">لم تكن قمة الإعلام العربي 2026، التي اختتمت أخيراً في دبي، نسخة عادية، بل يمكن وصفها بالاستثنائية، بوصفها الأكبر في مسيرة الحدث، اتساعاً في المشاركة وكثافةً في الجلسات والفعاليات. </div></p><p class='article-text'>فقد جمعت قادة ومسؤولين وخبراء وأكاديميين وإعلاميين ومؤثرين وصنّاع محتوى من مختلف أنحاء العالم. غير أن الحجم وحده لا يفسّر أهميتها. فعلى امتداد منصاتها، حضرت أسئلة المهنة بإلحاح لافت:</p><p class='article-text'>مستقبل الصحافة، وتحولات المحتوى، وصعود المنصات الرقمية والذكاء الاصطناعي، في مشهد عكس عمق التحولات التي تعيد تشكيل الإعلام وأدواته وعلاقته بجمهوره.</p><div class='flex-container-one-image'>
</p>
<div class="image_body">
         
         <div class="single-item ">
             <figure>
                 <img src="/albayan/uploads/images/2026/09/27/5345804.jpg" alt="" />
                 <div class="image-copyright"></div>
                 <figcaption></figcaption>
             </figure>
         </div>
    </div>
<p class="article-desc"></div><p class='article-text'>هذه القمة، التي انعقدت من الخامس عشر إلى السابع عشر من سبتمبر الجاري، لم تقف عند ثراء حواراتها، بل حملت سلسلة من المبادرات والإعلانات التي تستشرف المرحلة المقبلة في الإعلام والصناعات الإبداعية، وأبرزها الإعلان عن عودة مهرجان دبي السينمائي الدولي في ديسمبر 2027.</p><p class='article-text'>وزاد من خصوصية هذه الدورة تزامنها مع اليوبيل الفضي لجائزة الإعلام العربي، فالتقت في مشهد واحد ذاكرة ربع قرن من العمل الإعلامي ورؤية تتطلع إلى الغد.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">بادئ ذي بدء، لا بد من الإشارة إلى أن قراءة ما آل إليه مشهد هذا الحدث الإعلامي السنوي الفريد عربياً، ترتبط وثيقاً بالمسيرة التي أفضت إليه.</div></p><p class='article-text'>فالحكاية بدأت مع تأسيس نادي دبي للصحافة، ومرت بالجائزة والمنتدى، وما تلاهما من مبادرات ومنصات اتسعت دوائرها عاماً بعد عام، حتى وصلت إلى قمة باتت مظلة لطيفٍ واسعٍ من الفعاليات والمبادرات.</p><p class='article-text'>والسؤال الذي تطرحه هذه المسيرة، ليس كيف كبر الحدث فحسب، بل كيف واكب تحولات المهنة، واستبق بعضها، من زمن الحبر والورق إلى زمن الشاشة والمنصة والخوارزميات.</p><h2>بداية الحكاية</h2><p class='article-text'><div data-empty="false">عام 1999، تأسس نادي دبي للصحافة بتوجيهات صاحب السمو الشيخ محمد بن راشد آل مكتوم، نائب رئيس الدولة، رئيس مجلس الوزراء، حاكم دبي، رعاه الله، حاملاً منذ انطلاقته رؤية تتجاوز إنشاء مكان يلتقي فيه الصحافيون، إلى تأسيس منصة تجمع أهل المهنة وتفتح أمامهم فضاءً للحوار والتواصل وتبادل الخبرات.</div></p><p class='article-text'>كانت البدايات بسيطة ودافئة. نادٍ فتيّ يجمع الصحافيين بعيداً عن صخب غرف الأخبار ومواعيدها اليومية، من خلال لقاءات اجتماعية ومسابقات رياضية وترفيهية ورحلات جماعية في ربوع الإمارات.</p><p class='article-text'>ولم تكن آنذاك كل ملامح المشروع الذي سيكبر لاحقاً قد اتضحت، لكن البيت الذي بدأ يجمع أهل المهنة كان يفتح أبوابه، عاماً بعد عام، على أفق أوسع.</p><p class='article-text'>وفي العام نفسه، جاءت الخطوة التي وسّعت الدائرة خارج حدود النادي، حين أطلق صاحب السمو الشيخ محمد بن راشد آل مكتوم «جائزة الصحافة العربية»، وعهد إلى نادي دبي للصحافة مهمة تأسيسها ووضع نظامها، لتكون منصة عربية للاحتفاء بالتميز الصحافي وتشجيع الإبداع في المهنة.</p><p class='article-text'>ولم تكن مجرد جائزة تُمنح في أمسية وتنتهي بانطفاء أضوائها؛ فقد حملت منذ بدايتها معنى أبعد: أن الصحافي العربي وإنجازه يستحقان منصة تحتفي بالتميز وتمنح التجارب المهنية اللافتة مكاناً يليق بها.</p><h2>كبرت الجائزة وكبرت معها الفكرة</h2><p class='article-text'><div data-empty="false">وبالتوازي مع الجائزة، جاء منتدى الإعلام العربي ليضيف إلى الاحتفاء بالإنجاز مساحة أخرى للحوار في شؤون المهنة ذاتها: ندوات وجلسات وورش، وقضايا تتصل بالصحافة والإعلام والسياسة والاقتصاد والمجتمع، وبالتحولات التي بدأت تغير علاقة الإعلام بالخبر وأفراد المجتمع.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وهكذا، لم يعد اللقاء مناسبة لتكريم المتميزين وحدهم، بل أصبح مساحة تُطرح فيها أسئلة المهنة، والاتجاه الذي تمضي إليه.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وعاماً بعد عام، اتسعت الدائرة. جاء إلى دبي رؤساء دول وصنّاع قرار ووزراء ومفكرون وأكاديميون ورؤساء تحرير وصحافيون وإعلاميون وضيوف من أهل الفن، فيما كانت المهنة نفسها تتغير:</div></p><p class='article-text'>من زمن كانت فيه الصحيفة الورقية في قلب المشهد، إلى فضاء تتجاور فيه الشاشة والمنصة والهاتف، وصولاً إلى زمن الخوارزميات وصنّاع المحتوى والذكاء الاصطناعي. وتغيرت الجائزة هي الأخرى مع تغير الإعلام.</p><p class='article-text'>ففي عام 2021 تحولت «جائزة الصحافة العربية»، بتوجيهات صاحب السمو الشيخ محمد بن راشد آل مكتوم، إلى «جائزة الإعلام العربي»، لتتوسع إلى ما وراء الصحافة المكتوبة، وتحتضن فئات جديدة، في مواكبة نوعية للمشهد الإعلامي الجديد ووسائطه المتعددة.</p><h2>من المبادرة إلى المنظومة</h2><p class='article-text'><div data-empty="false">ومع تطور المشهد الإعلامي وازدياد وسائطه، جاء مجلس دبي للإعلام، برئاسة سمو الشيخ أحمد بن محمد بن راشد آل مكتوم، النائب الثاني لحاكم دبي، ليعزز تكامل المنظومة الإعلامية في الإمارة، ضمن رؤية أكثر اتساعاً وشمولية تمتد من الإعلام المرئي والمسموع والمكتوب والرقمي إلى صناعة المحتوى والأفلام والألعاب الإلكترونية وتطوير المواهب الإعلامية. </div></p><p class='article-text'>ثم جاءت قمة الإعلام العربي لتجسّد جانباً من هذا التكامل، وتجمع تحت مظلتها ما راكمته السنوات من مبادرات وتجارب: منتدى الإعلام العربي، ومنتدى الإعلام العربي للشباب، وقمة رواد التواصل الاجتماعي العرب، إلى جانب منتديات ومنصات متخصصة، وجوائز تحتفي بالتميز الإعلامي والمواهب الشابة وصنّاع المحتوى.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">وفي دورة هذا العام، التي تزامنت مع اليوبيل الفضي لجائزة الإعلام العربي، بدت القمة وكأنها تختصر، في ثلاثة أيام فقط، مسيرة ربع القرن كلها. </div></p><p class='article-text'>فالحاضر هنا لا ينفصل عن البدايات، وما بدأ قبل خمسة وعشرين عاماً منصة للحوار وتكريم للتميز، أصبح اليوم فضاءً أوسع يلتقي فيه الإعلام التقليدي والرقمي، وصناعة المحتوى، والتكنولوجيا، والذكاء الاصطناعي.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">ولم تكتفِ دورة هذا العام باستعادة مسيرة ربع قرن والاحتفاء بها، بل حملت معها مبادرات وخطوات تنظر إلى المرحلة المقبلة. </div></p><p class='article-text'>فقد حضرت مؤسسة دبي للإعلام بمنصاتها ومشروعاتها، وعززت «دبي بلس» شراكاتها في قطاعي الإعلام والترفيه وصناعة المحتوى، في مسعى إلى توسيع حضور المحتوى الإماراتي والعربي إقليمياً وعالمياً.</p><p class='article-text'>وقدمت أكاديمية دبي للإعلام، التابعة لمؤسسة دبي للإعلام، برنامجاً معرفياً تناول مستقبل المهن الإعلامية، وعلاقة الأجيال الجديدة بالمحتوى، والذكاء الاصطناعي، والتضليل الرقمي، والبودكاست والثقة في الإعلام، بالتوازي مع توسيع شبكة شراكاتها مع مؤسسات تعليمية وإعلامية وأكاديمية، في تأكيد على أن الاستثمار في مستقبل الإعلام يبدأ أيضاً من الاستثمار في الإنسان الذي يصنعه.</p><p class='article-text'>أما الإعلان الذي حمل دلالة خاصة، فكان قرار مجلس دبي للإعلام إعادة مهرجان دبي السينمائي الدولي إلى الحياة. ففي اليوم الختامي للقمة، أعلنت معالي منى غانم المرّي، نائب الرئيس والعضو المنتدب لمجلس دبي للإعلام، عودة المهرجان في دورته الخامسة عشرة، على أن تنطلق في الثامن من ديسمبر 2027، برؤية جديدة تواكب تطور صناعة السينما وتعزز موقع دبي في مجالات الإنتاج السينمائي والإبداعي، تحت مظلة مكتب دبي للأفلام والألعاب الإلكترونية التابع لمجلس دبي للإعلام.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">ولعل عودة المهرجان، بعد سنوات من الغياب، تختصر جانباً من الفكرة التي رافقت هذه المسيرة كلها: أن المبادرات قد تغيب، ثم تستعيد حياتها حين تجد المدينة فيها حاجة جديدة إلى المستقبل. </div></p><p class='article-text'>وهكذا لم تعد المبادرات التي تولد في هذا الفضاء مجرد إضافات إلى برنامج حدث سنوي، بل باتت تعكس رحابة الرؤية الإعلامية لدبي، وقدرتها على الانتقال من مبادرة إلى أخرى، ومن وسيط إلى آخر، من دون أن تفقد الصلة بالسؤال الأساسي: أي إعلام نريد؟ وأي مستقبل ينتظره؟</p><p class='article-text'>وما يلفت في هذه المسيرة أن دبي لم تنتظر التحولات الإعلامية حتى تكتمل لتلحق بها، بل سعت في كل مرحلة إلى إنشاء مساحة يلتقي فيها أهل المهنة لمناقشة التحول في زمن حدوثه.</p><h2>القارئ والمشاهد وتبدُّل الأدوات</h2><p class='article-text'><div data-empty="false">في خريف 2026، لا يبدو أن الذي قطع هذه المسافة هو الحدث وحده، إذ إن الإعلام أيضاً شهد تغيرات ملحوظة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">فالصحافة التي عرفناها قبل ربع قرن لم تعد هي ذاتها. تبدلت أدواتها وسرعتها ووسائطها، وتغير القارئ والمشاهد، وأصبح الهاتف غرفة أخبار صغيرة يحملها كل إنسان في جيبه. </div></p><p class='article-text'>ودخل إلى القاموس المهني ما لم يكن مطروحاً في اللقاءات الأولى: المنصات، والخوارزميات، والمؤثرون، وصنّاع المحتوى، والذكاء الاصطناعي.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">ولم تتغير أدوات الصحافي وحدها.. فقد تغيرت حدود المهنة نفسها. وبعدما كان الصحافي ينتظر صدور صحيفته في الصباح، صار الخبر يولد ويصل إلى قارئه في اللحظة ذاتها، وأصبح السؤال أقل ارتباطاً بسرعة الوصول، وأكثر ارتباطاً بما يستحق أن يصل، وبمن نثق حين يصل إلينا.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">لكن وسط كل ذلك بقي سؤال قديم يلاحق المهنة: ماذا يبقى من الصحافة حين تتغير أدواتها؟</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ربما تكمن إحدى إجابات هذا السؤال في القمة ذاتها. فالتكنولوجيا تستطيع أن تغير الوسيلة، لكنها لا تلغي حاجة أهل المهنة إلى أن يلتقوا ويتحاوروا ويختلفوا، وأن يسألوا عن صدقية الخبر، ومسؤولية الكلمة، ومستقبل الإعلام.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وهذا التطور، مرحلة إثر مرحلة، لا يروي سيرة مؤسسة كبرت فحسب، بل يروي أيضاً جانباً من سيرة دبي وهي تعيد تعريف موقعها ودورها الإعلامي. </div></p><p class='article-text'>فمن نادٍ للصحافة يجمع أهل المهنة، إلى جائزة عربية ومنتدى للحوار، وصولاً إلى قمة تستقطب الآلاف وتجمع على منصاتها صنّاع القرار والخبراء وأهل الإعلام.</p><h2>بين القلم والمفاتيح والشاشة</h2><p class='article-text'><div data-empty="false">ولعل اليوبيل الفضي لهذه التظاهرة العربية، يكتسب معنى مختلفاً لدى من شهد تلك البدايات ثم عاد، بعد خمسة وعشرين عاماً، ليرى المسافة التي قطعتها الفكرة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">في أروقة القمة هذا الخريف، كان متاحاً لك لقاء زملاء عرفت بعضهم منذ سنوات بعيدة، وترى إلى جانبهم وجوهاً شابة لم تكن قد ولدت، ربما، عندما بدأت الحكاية.</div></p><p class='article-text'>وبين هؤلاء وأولئك ستتجلى أمامك المسافة الحقيقية التي قطعها الإعلام. جيل كان يذهب إلى المطبعة في آخر الليل، وجيل يحمل منصته في هاتفه.</p><p class='article-text'>وبين الحبر والشاشة ربع قرن من التحولات. تغير الورق، وتغيرت الشاشة، وتغيرت الطرق التي تصل بها الحكاية إلينا، لكن الحكاية ذاتها ما زالت تحتاج إلى عين تراها، وعقل يتحقق منها، وضمير يعرف ماذا يفعل بها. أما الحاجة إلى الكلمة، وإلى من يحسن قولها ويتحمل مسؤوليتها، فلم تتغير كثيراً.</p><p class='article-text'>كنا هناك في البدايات. وكنا هناك، هذا الخريف، بعد ربع قرن. وبين المشهدين حكاية طويلة بدأت من بيت للصحافيين في دبي، برؤية آمنت مبكراً بأن للإعلام دوراً يتجاوز نقل الخبر، واتسعت أبوابه عاماً بعد عام، حتى صار ملتقى لإعلام عربي يبحث، وسط عالم يتغير كل صباح، عن الطريق إلى المستقبل.</p>

مسيرة مستمرة بدأت بتأسيس نادي دبي للصحافة وبلغت قمة الإعلام العربي

من الحبر إلى الشاشة..ربع قرن من التحولات الإعلامية

<p class='article-text'><div data-empty="false">أعلنت معالي منى غانم المري، نائب الرئيس والعضو المنتدب لمجلس دبي للإعلام ورئيسة نادي دبي للصحافة، عن عودة تنظيم مهرجان دبي السينمائي بحلة جديدة ورؤية متجددة، ليعود كمنصة إبداعية متكاملة تجمع صناع السينما والمبدعين، وتفتح المجال أمام المواهب الجديدة، وتسهم في اكتشاف الطاقات الواعدة ودعم حضورها في المشهد السينمائي العربي.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وأكدت معاليها أن النسخة الأولى من المهرجان في حلته الجديدة ستخصص للأفلام العربية، بما يعكس الاهتمام المتزايد بالسينما العربية وصناعها، ويفتح مساحة أوسع أمام المخرجين والمنتجين والممثلين والكتاب لعرض تجاربهم وأعمالهم، والتواصل مع جمهور السينما والنقاد والمتخصصين في الصناعة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وأوضحت أن عودة المهرجان لا تقتصر على استعادة حدث سينمائي ارتبط باسم دبي ومكانتها الثقافية، وإنما تأتي ضمن رؤية جديدة تستهدف بناء منظومة متكاملة للإبداع السينمائي، تجمع بين العرض والحوار واكتشاف المواهب وتبادل الخبرات، بما يعزز فرص الأجيال الجديدة في الوصول إلى صناعة السينما والارتقاء بأدواتهم وتجاربهم.</div></p><h2>منصة للمواهب وصناعة المستقبل</h2><p class='article-text'><div data-empty="false">وتحمل الدورة الجديدة توجهاً يضع المواهب العربية في صميم التجربة السينمائية، من خلال إتاحة المجال أمام الطاقات الشابة للتعريف بأعمالها وأفكارها، والتفاعل مع أسماء وخبرات سينمائية بارزة، بما يساهم في بناء جسور بين الأجيال المختلفة من صناع الأفلام.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">كما يسعى المهرجان إلى أن يكون مساحة للحوار حول واقع ومستقبل السينما العربية، والتحديات التي تواجه صناعها، والفرص التي تتيحها التحولات المتسارعة في صناعة المحتوى، إلى جانب استكشاف المواهب القادرة على تقديم قصص عربية برؤى وأساليب جديدة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وتأتي هذه الخطوة امتداداً للدور الذي لعبه مهرجان دبي السينمائي الدولي سابقاً في ترسيخ حضور دبي على خريطة المهرجانات السينمائية، حيث شهد على مدار دوراته مشاركة واسعة من نجوم وصناع السينما العرب والعالميين، إلى جانب تقديم أفلام عربية ودولية وبرامج متخصصة لدعم المواهب وصناعة الأفلام. </div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وأشارت معالي المري إلى أن العودة الجديدة للمهرجان تؤكد مكانة دبي كحاضنة للمواهب والإبداع، وتوفر منصة تجمع مختلف أطراف المنظومة السينمائية، من صناع الأفلام إلى المؤسسات الثقافية والإعلامية والجمهور، بما يعزز الحوار حول مستقبل الفن السابع في المنطقة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ومن المنتظر أن تشكل الأفلام العربية محور الدورة الأولى، في خطوة تمنح السينما العربية ومواهبها مساحة أوسع للظهور والتعريف بالتجارب الجديدة، وتسلط الضوء على تنوع القصص والرؤى التي يقدمها جيل جديد من صناع الأفلام.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وتعكس هذه الرؤية توجهاً نحو تحويل المهرجان من مجرد فعالية لعرض الأفلام إلى منظومة إبداعية لاكتشاف المواهب، وبناء العلاقات، وتبادل المعرفة، ودعم مسارات جديدة أمام صناع السينما العرب، بما يواكب تطور المشهد السينمائي ويعزز حضور دبي كمركز إقليمي للصناعات الإبداعية.</div></p>

منصة تجمع المبدعين وتكتشف المواهب العربية

منى المري تعلن عودة مهرجان دبي السينمائي بحلة جديدة

تبارى الشعراء على مر العصور الإسلامية على مدحه صلى الله عليه وسلم

من «بانت سعاد» إلى «المسكية».. أربعة عشر قرناً في حبّ النبي

<p class='article-text'>في قرية «بوت» الإسبانية، لا يحتاج المرء إلى جمهور كامل لكي يقيم مهرجاناً سينمائياً. فبالرغم من أن عدد سكانها لا يتجاوز الـ 500 نسمة، ومع ذلك حين يأتي شهر أغسطس، تصبح القرية محطةً لنحو 87 فيلماً قصيراً؛ بما يعادل فيلماً تقريباً لكل ستة من سكانها، وذلك في تجربة ثقافية ريفية تحتفي بالفن والبيئة المحلية لكتالونيا.</p><p class='article-text'>وليس تلك هي المرة الأولى، فمنذ عشرة أعوام، تفتح هذه القرية الصغيرة في منطقة تيرا ألتا بكتالونيا نافذتها السنوية على السينما، ليصبح مهرجان سينما تيرا ألتا، جزءاً من هويتها المحلية، وموعداً يضع عشرات الأفلام وصناعها في مكان لا يتبادر عادة إلى الذهن عند الحديث عن خريطة المهرجانات.</p><p class='article-text'>واختتمت الدورة العاشرة من المهرجان مؤخراً، وضمت 87 فيلماً قصيراً، بينها 50 فيلماً في المسابقة، إلى جانب ورش وبرامج تدريبية وأنشطة موسيقية وثقافية.</p><p class='article-text'>وراء هذا العقد من العروض السينمائية حكاية بدأت محلياً، وكان أحد الأسماء المرتبطة بالبدايات هو جوزيب موليت، الذي يعرفه أهل القرية بلقب «رجل السينما». ومن تلك البذرة، كبر المهرجان دون الحاجة لمغادرة القرية التي ولد فيها.</p><p class='article-text'>وتولى الممثل الإسباني إيفان ماساغيه إدارة المهرجان، لتلتقي في برنامجه الأعمال الاحترافية بأفلام المواهب الجديدة والطلبة والمدارس، فيما يظل المجتمع المحلي جزءاً من المشهد، بحضور سكان المنطقة والمزارعين في دعم الحدث، إلى جانب الموسيقى والطعام والأنشطة المختلفة، ومشهدٍ يصوغ فيه المكان نفسه الحكاية، وفقاً لـ«إل باييس» الإسبانية.</p><p class='article-text'>في افتتاح الدورة العاشرة، تمت العودة لذاكرة الفن السابع، بعرض استحضر زمن السينما الصامتة، قدمه جوردي دياز وجولي فابريغاس بمشاركة السوبرانو آنا بيلين غوميز.</p><p class='article-text'>ثم جاءت إحدى مفاجآت الأمسية بصوت المغنية الكتالونية سيلفيا بيريز كروز، التي ظهرت لتغني من دون موسيقى مرافقة، ولمن لا يعرفها، فهي مغنية وملحنة ومؤلفة إسبانية من ذات الإقليم الكتالوني، وواحدة من أتم وأعذب الأصوات وأكثرها تأثيراً في الموسيقى المعاصرة لدمجها بين الفلامنكو، الجاز، الموسيقى الكلاسيكية، والأغاني الشعبية.</p><p class='article-text'>قد تبدو قصة «بوت» أكبر من حكاية مهرجان أكمل عامه العاشر، فحين يصل 87 فيلماً إلى قرية من 500 شخص، تصبح السينما حدثاً بحجم القرية نفسها، وكل ذلك خلال عشرة أعوام لم تنطفئ خلالها الشاشة.</p>

بين الحقول والشاشة.. قرية إسبانية تكتب حكايتها مع السينما منذ عقد

<p class='article-text'>هناك أفلام وُجِدت لتُسلّي، وأفلام أخرى وُجِدت لتُفجّر؛ وتحفة المخرج «روبرت ألدريتش» السينمائية، «القبلة القاتلة» (Kiss Me Deadly) الصادرة عام 1955، تنتمي بلا أدنى شك إلى الفئة الثانية.</p><p class='article-text'>ورغم أن الفيلم قوبل بالرفض والازدراء عند عرضه الأول، بل وأدانته لجنة فرعية تابعة لمجلس الشيوخ الأمريكي بوصفه عملاً «صُمِّم خصيصاً لإفساد المشاهدين الشباب»، فقد عُدَّ منذ ذلك الحين واحداً من أهم أفلام «النوار» وأكثرها تأثيراً في تاريخ الشاشة الفضية عبر سبعة عقود من تاريخ السينما.</p><p class='article-text'>​يفتتح الفيلم كادره بصورة ترفض الانصياع لأي قواعد مستقرة؛ امرأة تلهث وتندفع ركضاً على طول طريق سريع ولا ترتدي سوى معطف مطر، ورجل يقود سيارة رياضية مسرعة ينحرف نحوها لتفادي اصطدام وشيك.  وفي خطوة غير متوقعة، يقلّها معه في السيارة — لينقطع المشهد فجأة وتتحرك تترات البداية بشكل معكوس من الأعلى إلى الأسفل. ومنذ تلك الدقيقة الأولى الجريئة، يرسل ألدريتش إشارة واضحة بأن التقاليد المريحة لهذا النوع السينمائي لن تسلم بين يديه.</p><p class='article-text'>​يتحرك المحقق الخاص «مايك هامر» -الذي جسده «رالف ميكر»- بوقاحة ليتعثر في لغز يحيط بحقيبة متوهجة؛ علبة ساخنة عند لمسها، تحوي شيئاً لا يستوعبه هو ولا الجمهور بشكل كامل إلا بعد فوات الأوان.  هذا «الشيء الغامض العظيم»، كما بات يُعرف لاحقاً، هو إشارة إلى القنبلة الذرية — وتجسيد لرهاب وهوس الرعب النووي الذي التهم أمريكا في حقبة الحرب الباردة في السنوات التي تلت كارثة هيروشيما.</p><p class='article-text'>ونتيجة هذا العمل كان شيئاً لم تألفه السينما من قبل؛ إذ نجح استخدام ألدريتش للقطات القريبة والزوايا المائلة الملتوية، والقطع المونتاجي المفاجئ الصادم، والظلال العميقة في خلق إحساس خانق بالارتياب والهلوسة.</p><p class='article-text'>بيد أن السمة الأبرز للفيلم أنه لا ينتهي، بل ينفجر ويتفجر.</p><p class='article-text'>​وقد أدرك النقاد الفرنسيون على الفور ماهية هذا العمل وجوهره؛ إذ أشار كل من «فرانسوا تروفو» و«جان لوك غودار» إلى الفيلم بوصفه العمل الأمريكي الأوحد المسؤول عن ولادة «الموجة الجديدة الفرنسية» (French New Wave).</p><p class='article-text'>وقد اعترف تروفو بأثر الفيلم في صياغة أسلوبه الإخراجي ورأى مجتمع نقاد مجلة «كراسات السينما» في عدمية ألدريتش وهجومه الشديد على القوالب التقليدية بمثابة «صك غفران وضوء أخضر» لتدشين نوع جديد من صناعة الأفلام؛ نوع يثق في عتمة الظلال، ويرفض الحلول والمثالية الأخلاقية.</p><p class='article-text'>​وتحولت تلك الحقيبة المتوهجة واحدة من أكثر الصور البصرية محاكاة واستنساخاً في تاريخ الفن السابع؛ نلمح آثارها في فيلم Repo Man عام 1984 للمخرج أليكس كوكس، وفيلم Pulp Fiction عام 1994 لكوينتن تارانتينو، وفيلم Ronin عام 1998 لجون فرانكنهايمر.  بل إن «ستيفن سبيلبرغ» يقتبسها ويشير إليها بوضوح خلال الخاتمة الشهيرة لفيلم Raiders of the Lost Ark. إن ما أورثه فيلم «القبلة القاتلة» للسينما كان شيئاً أعصى على التسمية والمأسسة: الفكرة المتمثلة في أن نهاية الفيلم لا تحتاج إلى تسوية وحسم، بل إلى تمزيق للحبكة، وأن النهاية الأصدق لقصة حول الجشع البشري والارتياب قد تكون الفناء والقيامة.</p><p class='article-text'>​ولم يستوعب مخرج هذا الدرس بدقة متناهية ويمتصه مثل المخرج «روبرت إيجرز» في فيلمه The Lighthouse عام 2019. ففي إطار أبعاد خانقة Aspect Ratio تبلغ 1.19:1 ومصورة على شريط 35 ملم بالأبيض والأسود، يأتي دراما النفس والبحار لإيجرز حول حارسي منارة ينحدران نحو الجنون في جزيرة موحشة قبالة سواحل مين، كعمل غارق في مرجعياته الأدبية والسينمائية؛ إذ تتغذى حبكته على أدبيات بو، وميلفيل، ولوفكرافت، وبيكيت، وبنتر.</p><p class='article-text'>لكن في اللحظة االحاسمة فإن المعرفة المحرمة التي يبحث عنها «إفرايم وينسلو» في غرفة الفانوس العلوية تقود إلى لحظة شبيهة بفتح «صندوق باندورا»، وهي لحظة تتصل بجذورها مباشرة بفيلم روبرت ألدريتش «القبلة القاتلة».</p><p class='article-text'>​إن هذا التوازي بنيوي؛ فمثلما تفتح «ليلي» الصندوق المتوهج في فيلم ألدريتش وتطلق عنان دمار شامل لا تملك القدرة على السيطرة عليه، يصل «وينسلو» أخيراً إلى ذلك الضوء المبهر والمُعمي الذي حُرِم منه طوال رحلة عذابه وتنقيبه، فيلتهمه الضوء ويفنيه.</p><p class='article-text'>يطرح كلا الفيلمين السؤال ذاته ويقدمان الإجابة عينها: ماذا يحدث عندما يستولي إنسان، مدفوعاً بالهوس والتحدي، على الشيء المحرم؟ إنه يحترق. فالضوء هنا لا يضيء ولا يمنح الهداية؛ بل يسحق ويفني.</p>

الصندوق المشتعل: تفكيك تحفة «القبلة القاتلة» وإرثها البصري الخالد

<p class='article-text'><div data-empty="false">هناك قصة متداولة، لكنها أروع من أن يتم تجاهلها، مفادها أن المخرج ألفرد هيتشكوك حاول الاستحواذ على حقوق اقتباس فيلم «ديابوليغو» «Diabolique» قبل أن يتمكن المخرج الفرنسي هنري جورج كلوزو من ذلك؛ بيد أنه وصل متأخراً؛ إذ تحرك كلوزو بسرعة أكبر، وضمن حقوق الرواية، ثم صنع الفيلم. </div></p><p class='article-text'>وتذكر الروايات أن هيتشكوك الذي آلمته هذه اللطمة الإنتاجية مضى في طريقه لينتج فيلم «Psycho» عوضاً عنه كنوع من الرد.</p><p class='article-text'>وسواء كانت هذه الحكاية دقيقة التفاصيل أم لا، فإنها تقتنص بعداً جوهرياً وحاسماً حول مكانة فيلم «Diabolique» في تاريخ الفن السابع: فقد كان هذا هو العمل السينمائي الذي هزّ كيان «أستاذ التشويق» ودفعه لإعادة ابتكار أدواته الفنية كلياً.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">​وعندما طُرح فيلم «Les Diaboliques» في دور العرض الفرنسية عام 1955، كان بمثابة قنبلة. </div></p><p class='article-text'>وكان كلوزو — الذي نُعِت بـ «هيتشكوك الفرنسي» عن جدارة واستحقاق — قد اقتبس رواية الكاتبين بيير بويلو وتوماس نارسياك التي حملت عنوان «Celle qui n›était plus»، وصاغها ببرود وجفاف جعلت أعمال معاصريه من مخرجي أفلام الإثارة تبدو متكلفة بالمقارنة معه.</p><p class='article-text'>وتبدو القصة في ظاهرها بسيطة ومخادعة: زوجة مدير مدرسة مستبد وعشيقته تتآمران معاً لقتله، وتنجحان في ذلك بالفعل؛ غير أن الجثة تختفي فجأة بعد ذلك.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">​إن ما أدركه كلوزو جيداً، ونقله الفيلم موروثاً إلى أجيال من صناع الأفلام من بعده، هو أن القلق والارتياب المستمر أشد فتكاً ونخراً في وجدان المشاهد من الصدمات المفاجئة الخاطفة.</div></p><p class='article-text'>لذا، جاء فيلم «Diabolique» بمثابة تمرين وتطبيق عملي مكثف على خلق الأجواء، متمثلة في مبنى المدرسة المتهالك، وحوض السباحة العكر والإضاءة الرمادية الجافة التي يبدو أنها انتُقِيت بعناية فائقة لتشعر الجمهور بنوع من الغثيان.</p><p class='article-text'>​لقد كان هذا الطرح جديداً كلياً؛ فالأفلام التشويقية الأمريكية في تلك الحقبة كانت لا تزال تعمل في مجملها تحت مظلة وقواعد سينما النوار (Noir)، حيث الظلال الكثيفة ولكن مع الحفاظ دائماً على قدر معين من الأناقة والجماليات البصرية الفاخرة.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">أما كلوزو فقد جرد العمل من تلك الأناقة المصطنعة واستبدلها بقبح مؤسسي فج؛ فلم تكن المدرسة مرعبة بمفهوم أسطوري، بل كانت مخيفة لأنها مبتذلة، روتينية، وتشبه مكاناً حقيقياً نراه كل يوم.</div></p><p class='article-text'>وصار هذا النقل والتوظيف للفزع داخل تفاصيل الحياة اليومية العادية أحد أهم استراتيجيات معالم سينما التشويق الحديثة.</p><p class='article-text'>إن تحفة هيتشكوك «Psycho» عام 1960 تبدو ضرباً من المستحيل دون الاستناد إلى فيلم «Diabolique»؛ فالحيلة المتمثلة في تصفية شخصية رئيسية ومحورية بشكل غير متوقع، والتضليل المستمر لتعاطف الجمهور والبيئة التي جعلها مصدراً للرعب، كلها عناصر تحمل بصمات كلوزو الواضحة.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">استعار هيتشكوك ذلك التوجيه المرتبط بنهاية الفيلم؛ إذ اشتُهر «Diabolique» بمناشدة الجماهير بطلب صريح مفاده ألا يكشفوا عن مفاجأة النهاية لأصدقائهم، وهي استراتيجية تسويقية استنسخها هيتشكوك وطوّرها ليبلغ بها حد الكمال في «Psycho».</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">إن فكرة تحويل سر الفيلم إلى «سلعة تجارية»، يصبح الجمهور شريكاً في حمايتها، كانت ابتكاراً خالصاً سُجل باسم كلوزو أولاً.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">​وبعيداً عن «Psycho»، فإن أثر فيلم «Diabolique» يمتد ويتتبع خطاه عبر السلالة الكاملة لسينما الإثارة والتشويق النفسي؛ فقد أمضى المخرج برايان دي بالما شطراً كبيراً من حياته في حوار فني مع كوكبة مخرجي هذا النمط، مثل هيتشكوك وكلوزو.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">كما امتص فيلما «Repulsion» و«Rosemary›s Baby»، للمخرج رومان بولانسكي، تقنية الفيلم الفرنسي في تحويل المساحات المنزلية والحميمة إلى بيئات فاسدة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وفي زمن أقرب، تعمل أفلام مثل «Gone Girl» و«The Others» في إطار ذات المدرسة والتقاليد القائمة على التضليل للمشاهد والتأخير المتعمد للحقائق الكاشفة، وهي القواعد التي أرساها «Diabolique» بشكل أساسي. </div></p><p class='article-text'>​وجاءت النسخة الأمريكية المُعاد إنتاجها عام 1996 — والتي كانت مقبولة فنياً لكنها طُويت في غياهب النسيان — لبرهنة حقيقة أن قوة الفيلم الأصلي لم تكن في آليات الحبكة بل في رفض كلوزو تقديم أي تفصيلة مريحة للمشاهد. إن الحبكة يمكن زراعتها ونقلها لعمل آخر، أما الأجواء البصرية والنفسية فلا يمكن استنساخها.</p><p class='article-text'>​يظل البناء الختامي لفيلم «Diabolique» - بإيقاعه المتأني وصمته، وسيره نحو واحدة من أكثر لحظات الصدمة السينمائية جدارة في تاريخ الشاشة الفضية — محتفظاً بذات الفاعلية والقوة اليوم كما كان عليه قبل سبعين عاماً.</p>

​«ديابوليك»: رائعة سينمائية أعادت صياغة التشويق والتسويق لدى هيتشكوك

<p class='article-text'><div data-empty="false">مرة بعد مرة، وإنتاجاً تلو إنتاج، وعملاً هائلاً يتلو الآخر وتتلقفه الجماهير باهتمام ولهفة كبيرين، ووسط ذلك تثبت السينما سحرها وتكرس جاذبيتها وتأثيرها على قلوب وعقول الجماهير على اختلاف ثقافاتهم وأعمارهم وانتماءاتهم، وفي هذه الأيام وبينما جماهير السينما تندفع صوب قاعات العرض في كل مكان لمشاهدة فيلم «الأوديسة» للمخرج «كريستوفر نولان» تعيد السينما تثبيت فكرة أنها الفن السابع العظيم الذي اختتمت به البشرية تطورها الفني والثقافي وأن لا شيء يمكن أن ينافس نفوذها.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">إن آلاف الفتيات حول العالم ممن لم يفتحن يوماً كتاباً بخلاف كتب المدرسة، ومراهقين لا يعرفون من هو هوميروس وما هي وظيفته في الحياة، أصبحوا يرددون اسم «الأوديسة» وكأنها آخر إبداعات الألعاب الإلكترونية، وحده سحر السينما الذي أصاب هؤلاء بحمى قراءة أساطير اليونان (الإلياذة والأوديسة) خاصة وأن الفيلم يحكي أسطورة الملك العائد من حرب طروادة وما واجهه من مصاعب ووحوش ومخاطر!</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ورغم كل التجاوزات الفنية على حساب ما ورد في ملحمة الأوديسة، وما هو معروف منطقياً (كأن يكون طبيعياً ومنطقياً أن الأميرة اليونانية الفاتنة هيلين التي حدثت معركة طروادة بسببها هي بالضرورة امرأة بيضاء يونانية وليست سوداء أفريقية مثلاً، ليس ذلك من باب العنصرية ولا التمييز ولكنه الواقع، كما أنه من غير المنطق أن يكون في جيش اليونان مقاتلون صينيون مثلاً... إلخ) إلا أن المدافعين عن الفيلم وعن نولان يقولون:</div></p><p class='article-text'>هذا فيلم وليس وثيقة تاريخية، وإن الفيلم ليس مجرد مشاهد وأبطال، ولكنه رؤية فنية قبل ذلك (والحقيقة فإن في هذا الدفاع كثيراً من مجانبة الحقيقة)!</p><p class='article-text'><div data-empty="false">وبالرغم من رؤية المخرج ومغازلته لقوانين هوليوود وصناع القرار في الأوسكار، إلا أن ذلك لا ينفي عظمة الفيلم، وما يحظى به الفيلم من إقبال يفوق التصور، ما يلفت الانتباه في الأمر أن النجاح الجماهيري للفيلم لا يعني أن الجمهور أصبح أكثر اهتماماً بالأساطير أو بالدقة التاريخية أو الأمانة الأدبية، بل يعني أن الفيلم نجح في شيء آخر تماماً، وهو إعادة تقديم الأسطورة بلغة العصر، والجمهور رغم اعتراضاته، إلا أنه لم يتوقف عن الاندفاع لمشاهدته!</div></p>

الأوديسة.. بلغة العصر!

<p class='article-text'>لا يقتصر فيلم الرسوم المتحركة «المينيون والوحوش» على تقديم مغامرة كوميدية عائلية، بل يحتفي بتاريخ السينما العالمية من خلال عشرات الإشارات إلى أفلام وشخصيات صنعت مجد هوليوود الكلاسيكية.</p><p class='article-text'>وتدور أحداث الفيلم عام 1927، حيث يصل «المينيون» إلى هوليوود ويشقون طريقهم نحو النجومية، في حبكة تستلهم روح أفلام الكوميديا الصامتة التي أرست أسس السينما الحديثة.</p><p class='article-text'>ويفتتح الفيلم بمشاهد تستعيد أعمال رواد السينما الأوائل، من بينهم إدوارد مويبريدج، وجورج ميلييس، والأخوان لوميير، مع إعادة تقديم لقطات شهيرة من أفلام راسخة في الأذهان. كما يضم الفيلم متحفاً سينمائياً يحتفي بشخصيات وأعمال خالدة في تاريخ الفن السابع.</p><p class='article-text'>ويواصل العمل تكريم رموز السينما من خلال ظهور تماثيل لأورسون ويلز، وبروس لي، وألفريد هيتشكوك. ويقدم الفيلم هذه التحيات السينمائية في إطار كوميدي سريع الإيقاع.</p>

«المينيون والوحوش».. تحية لأيقونات هوليوود

<p class='article-text'>انطلقت في مدينة أصيلة المغربية، اليوم الأحد، الدورة الصيفية لموسم أصيلة الثقافي الدولي السابع والأربعين، الذي تنظمه مؤسسة منتدى أصيلة تحت رعاية صاحب الجلالة الملك محمد السادس عاهل المملكة المغربية.</p><p class='article-text'>وتتواصل فعاليات هذه الدورة لغاية 5 يوليو المقبل، حيث تقام فعالياتها المخصصة للفنون التشكيلية على مدى أسبوع، وتتضمن مشغل صباغة الجداريات، ومعرضاً تشكيلياً جماعياً، وندوة فنية، ومشاغل إبداعية.</p><p class='article-text'>وكانت مؤسسة منتدى أصيلة قد اعتمدت منذ تأسيسها عام 1978 شعار «الثقافة والفن في خدمة التنمية»، لتصبح بذلك منصة رائدة في دعم العمل الفني، وتنمية الذوق الجمالي عند الجمهور وخاصة الناشئة. وقد نظمت المؤسسة أول مشغل لصباغة الجداريات في ربيع 1978.</p><p class='article-text'>وسعياً من الأمانة العامة للمؤسسة للحفاظ على تجربة صباغة الجداريات التي أرسى مبادئها الراحلان محمد بن عيسى ومحمد المليحي، يجتمع في هذه الدورة الاستثنائية 15 فناناً وفنانة من المغرب وسوريا وإسبانيا وبلجيكا، منهم فنانون شاركوا في السنوات الأولى من هذه التجربة المميزة إلى جانب أجيال جديدة، ومجموعة من الأطفال والشباب المبدعين من مدينة أصيلة.</p><p class='article-text'>ويشارك في مشغل هذا العام 12 فناناً وفنانة من المغرب هم: مليكة أكزناي، عبد الحي الملاخ، عبد الرحمن رحول، عبد الله الحريري، عبد القادر الأعرج، عبد الكريم الوزاني، عزيز السيد، محمد المرابطي، بوزيد بوعبيد، إلياس السلفاتي، الصادق الحضري، ومحمد العنزاوي. بالإضافة إلى مارتا دي بابلوس من إسبانيا، وخالد الساعي من سوريا، وشارلي كيس من بلجيكا.</p><h2>ندوة ومعرض جماعي</h2><p class='article-text'>كما ستُنظَّم يوم 3 يوليو في قاعة محمد البريني بمركز الحسن الثاني للملتقيات الدولية ندوة فنية تحت عنوان: «جداريات أصيلة: نحو هوية بصرية للمدينة»، يشارك فيها عدد من رواد الفن التشكيلي ونقاد وإعلاميين، يليها افتتاح معرض جماعي بعنوان «أصيلة في ظل ألوانها» يضم أعمالاً لفنانات وفنانين من مدينة أصيلة، وذلك برواق «محمد بن عيسى للفنون الجميلة»، ويتواصل المعرض لغاية 31 أغسطس المقبل.</p><p class='article-text'>كما تشهد الدورة الصيفية في الموسم مشغلاً للتعبير الأدبي وكتابة الطفل بدار الصباح للتضامن، يشارك فيه 70 طفلاً وطفلة من رواد المشغل.</p>

انطلاق الدورة الصيفية لموسم أصيلة الثقافي الـ 47

<p class='article-text'>تمثل الحركة المسرحية في الكويت قصة شغف وكفاح ودراسة ومواهب وعمل دؤوب كتب سطورها نخبة من رجالات البلاد الذين آمنوا بالمسرح كرسالة هادفة تنقل الواقع الاجتماعي والثقافي والسياسي والمعيشي، وتعكس الآمال والطموحات في الإصلاح والتغيير، وكوسيلة تثقيف وتوعية وتوجيه قبل أن تكون وسيلة ترفيه وترويح ومتعة.</p><p class='article-text'>بذل هؤلاء جهوداً خارقة على مدى سنوات عمرهم منذ أن كانوا صغاراً، وتفانوا في عملهم وثابروا، وسقوا مواهبهم بالعلم والتدريب ومساعدة بعضهم للبعض، متخطين كل الصعاب والتحديات إلى أن صنعوا المستحيل وغدوا رواداً في مجالهم على المستويين المحلي والخليجي.</p><p class='article-text'>محققين نهضة فنية ومسرحية مشهوداً لها بالريادة والتألق. ولم تكن هذه الريادة لتتحقق لولا الدعم الرسمي السخي من الدولة وهي تخطو خطواتها الأولى بعد الاستقلال نحو البناء والتنمية على مختلف الصعد.</p><p class='article-text'>برزت في الحركة المسرحية والفنية الكويتية أسماء كثيرة، بعضها تألق في التمثيل، والبعض الآخر في الإخراج، والبعض الثالث في كتابة النص. وهناك البعض الذي قادته مواهبه المتعددة إلى الجمع ما بين هذا وذاك، فكان أن سجل اسمه بمداد من ذهب في سجل الخالدين من رواد المسرح، الذي يعتبر أبوالفنون أولها منذ زمن الإغريق والرومان، بل الجنس الأدبي الأحدث نسبياً مقارنة بالشعر في المجتمعات العربية.</p><p class='article-text'>أحد هؤلاء هو عبدالرحمن الضويحي، الذي سنوثق هنا سيرته ومسيرته الإبداعية كرائد من رواد المسرح الكويتي، خصوصاً أنه جمع ما بين الإخراج والتمثيل وكتابة النص، وامتد نشاطه من المسرح إلى السينما والإذاعة والتلفزيون، علاوة على بروزه كأحد شعراء ما يعرف في الكويت بالزهيريات، أي الشعر الشعبي القصير.</p><p class='article-text'>وهكذا لم يكن غريباً أن يلقبه البعض بشيخ المخرجين الكويتيين، ويطلق البعض الآخر على زهيرياته اسم «الضويحيات». هذا ناهيك عن أن الرجل عاصر بدايات الحركة المسرحية في بلاده ورافق تطورها ونموها وازدهارها حتى غيابه عن المشهد بوفاته، رحمه الله، في 26 يوليو سنة 1996.</p><p class='article-text'>كما أنه عرف عن قرب كل أو معظم الفنانين الكويتيين الرواد من أمثال خالد النفيسي وغانم الصالح وعبدالحسين عبدالرضا وسعد الفرج وعلي المفيدي وإبراهيم الصلال وعقاب الخطيب.</p><p class='article-text'>ولد عبدالرحمن بن سليمان بن ضويحي الضويحي (المكنى بـ «أبو ضاحي») في عام 1934 بحي القبلة في فريج السند، لكنه عاش معظم حياته في حي الصالحية بشارع فهد السالم.</p><p class='article-text'>كان ميلاده لوالده المنتمي لأسرة «الضويحي»، والأخيرة هاجرت إلى الكويت في القرن التاسع عشر من بلدة جلاجل النجدية وسكنت أحياء الجبلة والصالحية من العاصمة، وتصاهرت مع العديد من العائلات الكويتية المعروفة مثل: الشايجي والبخيت والعيسى والمرجان وبورحمة والحوال والعيد، طبقاً لموقع «منتدى تاريخ الكويت» الإلكتروني.</p><p class='article-text'>نشأ وترعرع في ظل والديه مع إخوته الستة (عبدالعزيز وعبدالمحسن وعبدالله وعبدالرزاق ومنيرة وفاطمة)، لكنه عانى من اليتم وهو في سن السادسة بوفاة والده سنة 1940.</p><p class='article-text'>التحق للدراسة عند المطوع «ملا محمد بن شرف» في كتابه التقليدي بمنطقة القبلة، فدرس القرآن الكريم، ثم انتقل إلى المدرسة القبلية التي أنهى بها مرحلة الروضة بنجاح وتفوق لافت، ثم واصل دراسته في هذه المدرسة حتى الصف الثالث الابتدائي، لينتقل منها إلى المدرسة المباركية التي لم يبق فيها سوى أسبوعين في الصف الرابع الابتدائي. بعد ذلك أكمل دراسته بالمدرسة الأحمدية.</p><p class='article-text'>بدأت معالم نبوغه وذكائه وشطارته تظهر حينما كان في المدرسة القبلية، حيث كان مشاركاً دائماً في الأنشطة المدرسية، ومنها تلاوته القرآن الكريم في طابور المدرسة الصباحي بصوته الجميل، وقيامه بتقديم مقاطع تمثيلية قصيرة على المسرح المدرسي، الأمر الذي استرعى انتباه ناظر مدرسته آنذاك المربي عبدالملك الصالح.</p><p class='article-text'>وقتها جرت العادة أن تقيم المدارس في نهاية العام الدراسي احتفالاً يتضمن تقديم مسرحية تاريخية وأخرى فكاهية، فاختاره الناظر للمشاركة في مسرحية تاريخية كان هو مخرجها بعنوان «حرب البسوس»، فأجاد الضويحي أداء الدور المرسوم له بإتقان وهو في التاسعة من عمره، بل وشارك أيضاً في المسرحية الفكاهية إلى جانب صالح العجيري (الفلكي المعروف لاحقاً) وخالد الجسار (الوزير لاحقاً) وعقاب الخطيب (الفنان المسرحي المعروف).</p><p class='article-text'>منذ مشاركته تلك ولع الضويحي بالتمثيل، بدليل أنه شجع أولاد حيه السكني (ومنهم عبدالعزيز مصطفى ويوسف محمد رشيد) وتعاون معهم على إحضار عدد من الصخور ليبنوا منها مسرحاً، ثم استعاروا ملابس رجالية ونسائية من بيوتهم ليستخدموها في التمثيل، وفوق ذلك صنعوا تذاكر دخول من كراريسهم المدرسية ليبيعوها لمن يريد المشاهدة.</p><p class='article-text'>أخبرنا الضويحي عن بداياته الاحترافية، فقال إنه كان في سنة 1956 في لبنان، وحينما عاد إلى الكويت وجد في انتظاره خطاباً من المخرج محمد النشمي يدعوه فيه، بصفته مديراً للمسرح الشعبي، أن ينضم لهذا المسرح، الذي كان يعرف سابقاً باسم «فرقة الكشاف الوطني»، فسارع صاحبنا إلى الاستجابة، والتحق بالمسرح الشعبي في سبتمبر 1957.</p><p class='article-text'>وكان وقتها يعمل بدائرة الصحة العامة أميناً للصندوق، لينضم إلى آخرين سبقوه من أمثال عبدالله خريبط وعبدالرزاق النفيسي وخالد النفيسي وحسين غلوم وغيرهم. وهكذا، شارك صاحبنا في مجموعة من الأعمال المسرحية الكويتية الأولى، وكانت مرتجلة من تأليف وإخراج محمد النشمي، مثل: «قرعة وصلبوخ» و«ضاع الملف» و«ضاع الأمل» و«شرباكة».</p><p class='article-text'>في سنة 1964 أقدم الضويحي على تأسيس «المسرح العربي» مع خالد النفيسي وعبدالحسين عبدالرضا وسعد الفرج وغانم الصالح وحسين يعقوب العلي وحسين الصالح وعبدالوهاب السلطان وجعفر المؤمن وعدنان حسين، وانتقل إليه، وظهر كممثل على خشبته في أربع مسرحيات جادة باللغة العربية الفصحى من إخراج المسرحي المصري الكبير زكي طليمات هي:</p><p class='article-text'>«صقر قريش» من تأليف محمود تيمور، و«فاتها القطار» من تأليف توفيق الحكيم، و«مضحك الخليفة» من تأليف علي أحمد باكثير»، و«آدم وحواء» من اقتباس فتوح النشاطي.</p><p class='article-text'>كان هذا قبل أن يستقيل من المسرح العربي في عام تأسيسه، ويعود مجدداً إلى «المسرح الشعبي لينتشله من العمل الارتجالي والفوضوي، فقدم من على خشبته في السنة ذاتها تجربته الأولى الحقيقية في كتابة النص والإخراج من خلال مسرحية «سكانه مرته» الناجحة التي حشد فيها ثلة من نجوم الفرقة.</p><p class='article-text'>تلا ذلك قيامه بتقديم مجموعة من الأعمال الناجحة للمسرح الشعبي كمخرج ومؤلف وممثل، كما قام بعد النجاحات التي حققها بإعداد أو تكويت عدد من المسرحيات منها:</p><p class='article-text'>«الجنون فنون» و«غلط يا ناس» في 1964، و«كازينو أم عنبر» في 1966، و«انتخبوني» و«حرامي آخر موديل» في 1967، و«روزنامة» في 1970، علماً أن جميعها كانت من إخراجه، عدا «الجنون فنون» التي أخرجها زميله خالد الصقعبي.</p><p class='article-text'>هذا ناهيك عن تأليفه مسرحية «اصبر وتشوف» التي أخرجها المصري حمدي فريد في 1965، والتي تعد أول عمل مسرحي كويتي تدور أحداثه في إطار من الخيال والكوميديا.</p><p class='article-text'>إلى ما سبق، أخرج الضويحي مسرحيات من تأليف غيره مثل: «يمهل ولا يهمل» في 1966، و«كاوبوي في الدبدبة» في 1970، و«إبراهيم الثالث» في 1973، و«سخنا الماي وطار الديك» في 1974، و«ورطة خريج» في 1976، و«العمارة رقم 20» في 1978.</p><p class='article-text'>كما امتد نشاطه إلى الدراما التلفزيونية، فجسد شخصية شاعر الكويت الضرير فهد العسكر في ثلاثية «الرحلة والرحيل» التي أنتجت سنة 1979، وشارك في مسلسل «الأقدار» سنة 1978 مع عبدالحسين عبدالرضا وسعد الفرج وغانم الصالح وإبراهيم الصلال وخالد العيد وعبدالعزيز النمش وسمير القلاف، مؤدياً ببراعة دور «النوخذة بن عيدان».</p><p class='article-text'>من الأمور الأخرى التي تحسب للضويحي في تاريخ الفن الكويتي، أنه كتب أول تمثيلية محلية أنتجها تلفزيون الكويت في عام 1964، وكانت بعنوان «إذا فات الفوت ما ينفع الصوت»، وهي تمثيلية من بطولة سعد الفرج وعبدالوهاب السلطان وحسين الصالح الدوسري، شاركت بها الكويت في مهرجان التلفزيون بمدينة الإسكندرية، علماً بأنه كتب لاحقاً للتلفزيون تمثيليات أخرى مثل «الطوفان» و«ما لك إلا خشمك».</p><p class='article-text'>ثم كتب في عام 1975 قصة وسيناريو وحوار فيلم «الصمت» للمخرج هاشم محمد الشخص، والذي يعد بمثابة التجربة السينمائية الثانية للكويت من بعد فيلم «بس يا بحر» للمخرج خالد الصديقي.</p><p class='article-text'>كما أنه ساهم مبكراً في الإذاعة الكويتية بكتابة وإخراج تمثيلية بعنوان «طبيب يداوي الناس وهو عليل»، تم تقديمها على الهواء مباشرة. من جهة أخرى، كان الضويحي وراء اكتشاف عدد من المواهب الكويتية التي ذاع صيتها لاحقاً في الأعمال المسرحية والدرامية والإذاعية مثل:</p><p class='article-text'>مريم الغضبان وجاسم النبهان وطيبة الفرج وأحمد الصالح وإبراهيم الصلال وعبدالعزيز النمش وعبدالعزيز المسعود. كما كان وراء تكويت عدد من المسرحيات، ومنها: مسرحية «المهرج» في عام 1980 من تأليف محمد الماغوط وإخراج أحمد مساعد، ومسرحية «حكمت محكمة السلطان» في عام 1982 من إخراج نجم عبدالكريم.</p><p class='article-text'>قلنا إن الضويحي كتب الشعر الشعبي القصير المعروف باسم الزهيريات، واشتهر بها، فصار يطلق على زهيرياته اسم «الضويحيات»، وكانت أولى محاولاته في عام 1962 حينما كان في القاهرة، حيث كتب زهيرية مطلعها «يا عاذلي ما أرى في صاحبك سلوى».</p><p class='article-text'>الذين فحصوا زهيرياته وكتبوا عنها أجمعوا على أنها متنوعة لجهة المواضيع والأغراض، وبصورة أثرت تجربته الشعرية، ومنحتها بعض التميز، وأنه نجح في المزج ما بين الأصالة والتراث والمعاصرة واستخدام خليط من المرادفات اللفظية القديمة والحديثة من الفصحى والعامية، الأمر الذي أضفى على زهيرياته قوة وثراء.</p><p class='article-text'>من ناحية أخرى يمكن النظر إلى زهيرياته على أنها نابعة من شاعر مرهف الإحساس وصادق التعبير ومن إنسان مرح ساخر يستهدف تقويم مجتمعه وإصلاحه وحضه على مكارم الأخلاق والتمسك بالقيم والمبادئ الأصيلة.</p><p class='article-text'>من زهيرياته، التي نشرها في دواوين، ونشرها قبل ذلك في الصفحة الأخيرة من جريدة «الأنباء» الكويتية منذ عام 1994، واحدة بعنوان «أنصاف الحلول» قال فيها:</p><p class='article-text'>أنصـاف الحلول مو كل حال فيها أنصـاف<br>والأثـلاث يا ذا الربـع ما تستوي أنصـاف<br>وما يطير طير إنّتف ما يطيـر الا إن صـاف<br>هيهـات مـا يجتمع حاضـر معـا ماضـي<br>مشعـاب في محزمك مـو خنجـرٍ ما ضـي<br>وسـمي مـا يلتفـت لا صـوّتـوا ما ضـي<br>وِرقيّـه مـا تلتفـت لا صـوّتـوا انصـاف<br>وزهيرية أخرى بعنوان «يا ضاحي» قال فيها:<br>ضـاحي تشَـرّهت وما في الشره شي يبنـي<br>ضـاحي تعبـت بـربـاك وشـوف شيّبنـي<br>ضـاحي انـا معك شـي يهـدم وشي يبنـي<br>خلنـا نتفـاهم يا ضـاحي خـل يقـوم البنـا<br>الـوقـت مـا ينلحــق يالله تــرى ولبنـا<br>جــدّك لاجلنــا يعـاف إحْليْبتــَه ولْبِنـَه<br>مـا قـال ولّيـن إلهـالـدنيـا إشّيّـيبـنـي</p><p class='article-text'>تمّ تكريم الضويحي أكثر من مرة، حيث كرمته فرقة المسرح العربي في «يوم المسرح العربي»، وجرى تكريمه في مهرجان المسرح الخليجي بدولة قطر سنة 1990، ثم تكرر ذلك في 4 يونيو 1996 من قبل جمعية الفنانين الكويتيين.</p><p class='article-text'>ولأنه كان وقتذاك مريضاً بمستشفى الصباح، فقد انتقل وزير الإعلام آنذاك الشيخ سعود الناصر الصباح برفقة رئيس جمعية الفنانين الكويتية عبدالعزيز المفرج (شادي الخليج) إلى المستشفى لتكريمه هناك. كما احتفي بذكراه ضمن أنشطة مهرجان «صيفي ثقافي» السابع في مكتبة الكويت الوطنية عام 2012، حيث أقيمت له منارة ثقافية شارك فيها الناقد الدكتور إبراهيم غلوم والأديب الشاعر مبارك عمرو العماري من مملكة البحرين.</p><p class='article-text'>لكن على الرغم من كل هذا، يعتقد البعض أن الضويحي لم ينل حقه من التكريم كما يجب لأن عطاءاته لوطنه وفنه تجاوزت التمثيل والتأليف والإخراج، وتأسيس المسارح وإدارتها، والمساهمة في الإذاعة والدراما التلفزيونية، واكتشاف المواهب، ونظم الشعر الشعبي، إلى التفنن في لغة المسرح والدراما وإتقانها، وإحياء المفردات القديمة في اللهجة الكويتية الدارجة.</p>

شخصيات تحت المجهر

عبدالرحمن الضويحي.. شاعر الزهيريات وشيخ المخرجين

<p class='article-text'><div data-empty="false">كنت أظن أن كلاسيكيات السينما والأدب والملابس شأن يخص أجيالاً متقدمة في العمر، أجيال الخمسينيات والستينيات مثلاً، فقد عاصرت هذه الأجيال تألق السينما وسطوع الأسماء الكبيرة من الفنانين والمطربين والمدارس الفنية والمسرحية، إضافة لأعظم ما أنتجته السينما من أفلام، وما قدمته من مخرجين وممثلين وتوجهات، اعتبرت في تلك الأيام مدارس شكلت مسيرة الفن السابع، وأثرت في الملايين حول العالم.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">لقد قدمت السينما أسماء يتم الحديث عنها اليوم باعتبارها أيقونات لن تتكرر، وصنعت أفلاماً لا تقل عظمة وتأثيراً عن الروايات العالمية التي كتبت تاريخ الأدب، وسجلت عظمته، وكما نالت هذه الروايات جوائز نوبل، حظيت تلك الأفلام بجوائز الأوسكار الخالدة!</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">كنت حتى وقت قصير أظن أن أجيال اليوم لا علاقة لها بكل هذا الإرث، ليس انتقاصاً ولا تشكيكاً في ثقافة هذا الجيل، ولكن لاعتبارات تعود لعامل الزمن، وطبيعة الحياة والواقع والاهتمامات، فالفن لا يزال موجوداً، ويتدفق باستمرار، رافداً الحياة الثقافية بالجديد في كل يوم، لكن ما ظهر في سنوات الخمسينيات وما بعدها، شكل حجر الأساس والانطلاقة التي بلا شك تختلف عما يليها، فكل ما كان في البدايات، ولأسباب تعود لطبيعة الزمن والجمهور والقضايا المطروحة، تعتبر مختلفة، وذات عمق وحساسية ورسالة مغايرة جداً!</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">فأم كلثوم وفيروز ومحمد عبد الوهاب وعبد الحليم و.. وفرانك سيناترا ومايكل جاكسون وألفيس بريسلي وريتشارد جير، وفاتن حمامة وشادية، وميريل ستريب وأنطوني هوبكينز وألان ديلون، ونجيب محفوظ وماركيز ودرويش و... يختلفون تماماً عن جيل هذه الأيام من الفنانين والمطربين، يختلفون في أمور كثيرة، لكن طبيعة العصر شكلت بلا شك عاملاً مهماً في خلق هذا الاختلاف!</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">لكنني رغم قناعتي هذه، إلا أنني وجدت من بين الشباب الصغار من يهتم بالأدب الكلاسيكي والسينما الكلاسيكية، ويقرأ حول الأفلام القديمة، ويسارع لحضور فيلم تقوم ببطولته نجمة كلاسيكية من طراز رفيع، مثل ميريل ستريب في 76 من عمرها، فيهرع شباب في نهاية العشرينيات لمشاهدة فيلمها الأخير! يبدو لي أننا جميعاً بحاجة لفترة من الهدوء، نلتقط فيها أنفاسنا، ونحدد خياراتنا بعد لهاث طويل، ولسنوات كثيرة عشنا فيها فوضى الخيارات والاختيارات!</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">هذا الجيل، ابن التقنية، ونتاج مدن ما بعد الحداثة، هو أكثر انفتاحاً وذكاء بلا شك. وهذا جدير بأن يجعله يختار بشكل عقلاني أكثر، بعد أن يجرب كل الغثاء المعروض أمامه في كل الواجهات! </div></p>

كلاسيكيات

<p class='article-text'><div data-empty="false">يقال إن أعظم صناع الأفلام هم أولئك الذي يتمكنون من تحقيق تحف سينمائية بأقل الإمكانات اللوجستية وفي أضيق الأماكن. يتمكنون من تحويل سيناريوهات ميتة أو بلا منطق ورقياً إلى أفلام رسخت في ذاكرة أجيال من عشاق الفن السابع. هذه أفلام كان من المفترض ألا تنجح - أو هكذا تبدو الأمور على الورق - فالقصة محدودة، والهيكل العام يبدو هزيلاً، والشخصيات قليلة، لكن أثناء التنفيذ والإخراج أصبحت تحفاً سينمائية.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">داي هارد 1988: قبل حقبة داي هارد كانت أفلام الأكشن في أماكن شاسعة: شوارع مدن، أدغال، مستنقعات، لكن على الورق كان داي هارد فكرة: «شرطي عالق في مبنى مع إرهابيين».</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">الفكرة لم تشجع أحداً من منتجي الأفلام التقليديين على الاستثمار فيه لأنه يبدو فكرة لفيلم من الدرجة الثانية، أو ما يسمى سينمائياً B-movie، وهي أفلام تجارية متواضعة أو رديئة الإنتاج ازدهرت في فترة الكساد العظيم 1929 - 1933. السبب المباشر لنجاح الفيلم كان رؤية المنتج جويل سيلفر الذي أصرّ على تغيير قالب البطل الأمريكي، من أسطورة لا تقهر إلى إنسان أو رجل الشارع، فهو ضعيف جسدياً لكن دوافعه تنطلق من رغبته في البقاء والدفاع عن نفسه. الشرير في الفيلم كذلك خرج من القالب الكرتوني الذي ميزه في السبعينيات وما قبلها، إلى قالب الأنيق المثقف الذي يستطيع أن يقتل بدم بارد. والمكان هو مبنى، الإثارة والتشويق تتولد تلقائياً من مطاردة القط والفأر بين شرطي من نيويورك عالق في مبنى في لوس أنجلوس ضد إرهابيين انصدموا بمفاجأة عنيدة لم تخطر حتى ببال داهيتهم هانز جروبر.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">الدرس: البساطة تتحول إلى قوة عندما يصنع الإخراج التشويق والشخصيات.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">فون بووث 2002: الفكرة: رجل يدخل إلى كابينة الهاتف ليجيب مكالمة فيعلق بداخلها.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">على الورق هذا ليس حتى فكرة، لكنه نجح لثلاثة أسباب، كان أولها أن الفيلم يضع شخصيته تحت ضغط اللحظة الراهنة، والشخصية نفسها تعيش معضلة أخلاقية وفي حالة من تضارب القيم. أما الشرير فهو جسدياً غير موجود، وإنما يخرج إلينا بصوته عبر سماعة الهاتف، والصوت للمرعب لكيفر سذرلاند بطل المسلسل التلفزيوني الشهير 24 في ذلك الوقت.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">الفيلم كان حالة من التوتر خالصة لا تشوبها شائبة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">الدرس: ​الحيز الضيق + حجم الرهان = حدة الدراما (شريطة إحكام الكتابة).</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">مدفون 2010: الفكرة: داخل تابوت لتسعين دقيقة. صدقاً، إنها فكرة سيئة للغاية. نجحت لأن السرد يتميز بتصعيد مستمر: الأوكسجين يتناقص والبطارية تستنزف والوقت يتضاءل. نجح الفيلم أيضاً بسبب التوظيف الذكي للإضاءة والصوت وزوايا الكاميرا، فالمشاهد يعيش التجربة النفسية بدل أن يكتفي بمشاهدتها.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">الدرس: القيود تحفز الإبداع وتصنع حالة من الانغماس.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ذا بلير ويتش بروجكت 1999: الفكرة: مجموعة أشخاص يمشون في الغابة وهم خائفون، لا وحوش ولا يوجد فيه شيء يستحق الذكر.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">لماذا نجح؟ لأنه استغل عامل الخوف من المجهول بشكل لم يسبق له مثيل، ولأنه اعتمد على الأداء الطبيعي، كأن الممثلين لم يروا النص، وردات فعلهم تبدو متفاجئة، ولأن الحملة التسويقية وقتها كانت ذكية جداً، إذ لمحت أن ما يحدث قصة حقيقية، وهنا يصبح خيالك هو الرعب الحقيقي.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">الدرس: كلما أخفيت ما هو مخيف، كبر في عقل المشاهد وأصبح مرعباً ومتخيلاً بشكل فعلي.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">12 رجلاً غاضباً 1957: الفكرة: 12 رجلاً جالسون في غرفة يتكلمون. لا أكشن ولا حركة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">تكمن عبقرية سيدني لوميت في توليد الصراعات بين الشخصيات داخل الغرفة وفي تغيير القوى الديناميكية للفيلم باستمرار. كل حوار يعطي معلومة جديدة فتتقدم القصة باستمرار ويصبح الأكشن في الحوارات.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">الدرس: الدراما جوهرها الصراعات وليست الحركة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">الفك المفترس 1975: الفكرة: قرش يهاجم الناس. هي فعلياً فكرة رديئة لفيلم سينما.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">لكنها نجحت لأن القرش لا يظهر، ستيفن سبيليرغ وظف عامل التشويق لتوليد الخوف بدل الاعتماد على الوحش. أيضاً تعود أسباب النجاح إلى نوعية الموسيقى التي كتبها جون ويليامز. ولا ننسى قوة الشخصيات التي جعلت من الفيلم تجربة لا تنسى، فغياب القرش هو ما جعله فيلماً كلاسيكياً.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">الدرس: حتى العوائق التقنية قد تولد العبقرية.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">فيلم Locke عام 2013: الفكرة: رجل يتحدث في الهاتف ويقود السيارة، هذا الفيلم بأكمله. نجح الفيلم لأن كل مكالمة استقبلها غيرت شيئاً من حياته، وأداء توم هاردي أعطى الفيلم ثقلاً استثنائياً، كما أن قرارات شخصيته الأخلاقية كانت وليدة لحظتها.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">الدرس: قوة الرهان ليست في حجمه، بل في عواقبه.</div></p>

النص المفقود.. عندما تنجح السينما في تحويل سيناريوهات ميتة إلى تحف

<p class='article-text'><div data-empty="false">في الوقت الذي تواصل فيه براغ حضورها بوصفها واحدة من أكثر العواصم الأوروبية رسوخاً في ذاكرة المسافر، تتحرك جمهورية التشيك اليوم لإعادة تعريف تجربتها السياحية خارج الصورة التقليدية للعاصمة التاريخية، عبر تسليط الضوء على شمال بوهيميا بوصفه وجهاً آخر للبلاد، أكثر التصاقاً بالطبيعة، وأكثر قرباً من الحرف، وأكثر قدرة على تقديم تجربة سفر هادئة وعميقة تدعو الزائر إلى معايشة المكان بتفاصيله.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ومن هذا التحول، تتشكل صورة سياحية جديدة لجمهورية التشيك تقوم على مسار متنوع يبدأ من العاصمة ويمتد نحو الجبال والغابات والورش والقرى وحضور الزجاج البوهيمي كأحد رموز الهوية المحلية، كلها عناصر تتداخل لتقديم شمال بوهيميا بوصفه امتداداً أكثر هدوءاً وعمقاً للتجربة التشيكية.</div></p><h2>رؤية تنموية</h2><p class='article-text'><div data-empty="false">تؤكد باربرا أنديلوفا، مدير التسويق الدولي للأسواق الجديدة في هيئة السياحة التشيكية في تصريح لـ«البيان»، أن الهدف من الترويج الدولي لشمال بوهيميا لا يقتصر على إبراز جمال المكان، بل يتجاوز ذلك إلى تقديم المنطقة كوجهة متكاملة تجمع بين الطبيعة والثقافة والحرفة ضمن رؤية تنموية متوازنة، فالسياحة، وفق هذا التصور، ليست حملة ترويجية عابرة، وإنما أداة لتعزيز تنافسية المنطقة، وتحسين جودة الخدمات، ورفع الأثر الاجتماعي والاقتصادي على المجتمعات المحلية.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وتبدو هذه الرؤية أكثر وضوحاً حين تربط أنديلوفا شمال بوهيميا بمفهوم السياحة المسؤولة، فالرسالة التي تسعى هيئة السياحة التشيكية إلى إيصالها للعالم هي أن المنطقة تقدم وجهاً أصيلاً ومتجدداً من وجوه التشيك، حيث تلتقي الطبيعة الاستثنائية بالتراث الحرفي العريق، وتتحول التجربة الثقافية إلى ممارسة يومية حية، وبذلك يقدم شمال بوهيميا كمكان يُعاش بإيقاعه الخاص.</div></p><h2>خصوصية ثقافية</h2><p class='article-text'><div data-empty="false">ويحضر الزائر العربي في قلب هذه الاستراتيجية بوصفه جزءاً من سوق واعد في منطقة الشرق الأوسط، وترى أنديلوفا أن هناك فرصة مهمة لتعريف الزوار من المنطقة بما يقدمه شمال بوهيميا من طبيعة راقية، وخصوصية ثقافية، وتجارب نوعية تناسب الباحثين عن التميز والأصالة، فالوجهة هنا لا تراهن على الزحام أو الاستهلاك السريع، بل على الجودة والهدوء والتفرد.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">من جهته، يقدم ديفيد باستفا، رئيس مجلس السياحة في منطقة ليبيريتس في تصريح لـ«البيان»، قراءة أكثر قرباً من الأرض، حين يصف شمال بوهيميا كوجهة تجمع في نطاق واحد بين الطبيعة الخلابة، والتاريخ، والعمارة، والحرف التقليدية، فمنطقة ليبيريتس، التي تمثل قلب شمال بوهيميا، تحتضن جنة بوهيميا بتكويناتها الصخرية الشهيرة، وجبل ييشتيد الأيقوني، وجبال يزيرا، إلى جانب تقاليد صناعة الزجاج التشيكي التي تعد من أبرز عناصر هوية المنطقة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ويرى باستفا أن الزائر في شمال بوهيميا يجد نفسه أمام شبكة واسعة من مسارات المشي وركوب الدراجات، ورحلات القطار وسط المناظر الطبيعية، والأنشطة الصيفية والشتوية، بما يجعل التفاعل مع المكان جزءاً أساسياً من الرحلة.</div></p><h2>تجربة مستدامة</h2><p class='article-text'><div data-empty="false">وفي مقابل جاذبية الطبيعة، يبرز سؤال الاستدامة بوصفه اختباراً حقيقياً لمستقبل الوجهة، ويشير باستفا إلى أن نجاح السياحة لا يقاس بعدد الزوار وحده، بل بقدرتها على حماية المكان نفسه، ولهذا تركز البرامج الرسمية في التشيك على تطوير البنية الأساسية، وتسهيل حركة الزوار، وتوزيعهم على نطاق أوسع داخل الوجهات، بما يحافظ على البيئة والمجتمعات المحلية، ويرفع في الوقت نفسه جودة التجربة السياحية.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">تكتسب هذه الرؤية أهمية خاصة في منطقة تمتلك مواقع طبيعية ذات قيمة استثنائية، من جنة بوهيميا، المعروفة بتكويناتها الصخرية ومساراتها، إلى جبل ييشتيد الذي يشكل رمزاً بصرياً ومعمارياً للمنطقة، مروراً بغابات الزان القديمة في جبال يزيرا، وتكوين بانسكا سكالا المعروف باسم «الأرغن الحجري»، وهذه المواقع لا تقدم للزائر مشهداً جمالياً فحسب، بل تكشف عن علاقة طويلة بين الجغرافيا والهوية، وبين الطبيعة ونمط العيش المحلي.</div></p><h2>وادي الكريستال</h2><p class='article-text'><div data-empty="false">وتتعمق خصوصية شمال بوهيميا حين تنتقل الصورة من الجبال والغابات إلى الحرف، فالحرف التقليدية، وفق باستفا، ليست قطاعاً إنتاجياً فقط، بل جزء أصيل من الذاكرة المحلية، ويظهر ذلك بوضوح في وادي الكريستال، حيث تلتقي الشركات والمتاحف والمدارس والورش تحت مظلة واحدة، مستندة إلى أكثر من سبعة قرون من تقاليد الزجاج والمجوهرات، وفي هذا الوادي، لا يعرض التراث بوصفه ذكرى محفوظة خلف الزجاج، بل كتجربة حية يستطيع الزائر أن يراها في الورش، وأن يلمس أثرها في المتاحف والمعارض والمنتجات المعاصرة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ويبرز الزجاج البوهيمي باعتباره أحد أهم مفاتيح فهم شمال بوهيميا، فالزجاج البوهيمي، أو الكريستال التشيكي، ليس مجرد منتج فاخر، بل مدرسة متكاملة في الصنعة والجمال، وقد ترسخت شهرته منذ القرن السابع عشر بفضل صفائه وبريقه وصلابته وملاءمته للنقش والقطع العميق، قبل أن يتحول تدريجياً إلى علامة أوروبية ثم عالمية، تجمع بين المهارة اليدوية والقدرة على مواكبة التصميم الحديث.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وتكشف سيرة هذه الصناعة عن علاقة وثيقة بين البيئة والحرفة، فقد ساعدت غابات شمال بوهيميا تاريخياً في توفير الوقود والرماد الخشبي اللازم لإنتاج البوتاس، كما أسهمت المواد الأولية الطبيعية في نشوء تقاليد زجاجية عريقة، ومع مرور الزمن، تخصصت مدن مختلفة في فروع محددة، فـ«نوفي بور» ارتبطت بإنتاج الزجاجيات والقطع الضوئية الكبيرة، بينما اشتهرت «يابلونيتس» بالأعمال الدقيقة والخرز والمجوهرات الزجاجية.</div></p><h2>مركز للفن المعاصر</h2><p class='article-text'><div data-empty="false">وتبرز زيارة باشينك غلاس في وادي الكريستال مثالاً حياً على هذا التحول، فهذا المكان ليس مصنعاً تقليدياً فحسب، بل مركز للفن الزجاجي المعاصر، يجمع بين ورش النفخ اليدوي، وغرفة القطع، ومعرض البيع، وحديقة الكريستال التي تمزج النباتات الطبيعية بمنحوتات زجاجية مضاءة، ومعبد الزجاج الذي يحول كنيسة تاريخية إلى مساحة فنية وروحية قائمة على الضوء والشفافية. ومن خلال أعمال جيري باشينك المستوحاة من الطبيعة، يظهر الزجاج بوصفه مادة قادرة على رواية قصة المكان، لا مجرد سلعة فاخرة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وتتقاطع هذه التجربة مع الطموح الأكبر لشمال بوهيميا، وهي أن تكون السياحة جسراً بين الماضي والمستقبل، فالمدارس المتخصصة، مثل المدرسة الثانوية لصناعة الزجاج في كامينيتسكي شينوف التي تأسست عام 1856، تسهم في نقل المهارات إلى الأجيال الجديدة، فيما تواصل الشركات الحديثة تحويل الحرفة إلى قطاع إبداعي عالمي حاضر في الفن والعمارة والضيافة الفاخرة. غير أن هذا القطاع، رغم مكانته الرمزية، يواجه تحديات تتعلق بتكاليف الطاقة، والتحول البيئي، والمنافسة العالمية، واستقطاب الشباب إلى المهن الحرفية.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وتشير الخطط المستقبلية، كما تطرحها هيئة السياحة التشيكية، إلى مرحلة تقوم على الجودة والاستدامة والإدارة الذكية للوجهات، فالرهان المقبل لا يتمثل في زيادة أعداد السياح، بل في رفع القيمة النوعية للزيارة، وتطوير الخدمات، والحفاظ على الهوية الطبيعية والثقافية التي تشكل جوهر شمال بوهيميا، وهكذا تبدو المنطقة مرشحة لأن تكون إحدى أبرز الوجهات الأوروبية للباحثين عن الفن والجمال.</div></p>

بين براغ وشمال بوهيميا

التشيك تفتح نافذة جديدة على سياحة الطبيعة والحرفة والهوية

<p class='article-text'><div data-empty="false">نورا المرزوقي</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">"لم يعد مهرجان كان مجرد سباق للحصول على 'السعفة الذهبية'، بل أصبح السباق العالمي الأشرس للفوز بحصة من كعكة اقتصادية تتجاوز المليار دولار. ومع انطلاق دورة 2026، لم تعد المنافسة محصورة بين المخرجين، بل انتقلت إلى موازين القوى بين كبار المستثمرين ومنصات البث الرقمي، في ساحة تتحول فيها كل تغطية صحفية إلى أصل استثماري يضخ الحياة في شرايين الاقتصاد الفرنسي."</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">تتجه أنظار العالم مجدداً إلى الريفييرا الفرنسية مع انطلاق فعاليات مهرجان كان السينمائي اليوم، الحدث الذي لم يعد مجرد احتفال بالفن السابع، بل منصة عالمية تتقاطع فيها الثقافة مع الاقتصاد، والسياسة مع السرد البصري، في لحظة دولية تتسم بتسارع الأزمات وتعدد الروايات. ورغم الصورة البراقة للسجادة الحمراء، يمثل مهرجان كان أحد أهم المحركات الاقتصادية في صناعة السينما العالمية؛ فبالتوازي مع العروض الرسمية، يُقام "سوق الفيلم"، الذي سجل بحسب تقريره السنوي الرسمي لعام 2025 رقماً قياسياً باستقبال أكثر من 15,000 مشارك من 140 دولة، مع عرض قرابة 4,000 فيلم ومشروع، ما يجعله مركز الثقل الحقيقي لإبرام صفقات التوزيع والإنتاج بمئات الملايين من الدولارات سنوياً.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false"><b> قوة التأثير </b></div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">تتجاوز أهمية المهرجان الصفقات المباشرة إلى ما يُعرف بـ "القيمة التأثيرية"؛ حيث كشف تقرير شركة "لونش ميتريكس"  المتخصصة في تقييم البيانات أن المهرجان حقق في دورته السابقة قيمة تأثير إعلامي بلغت 1.1 مليار دولار، وهو مؤشر يقيس القيمة النقدية للانتشار العالمي للحدث عبر مختلف الوسائل الإعلامية والمنصات الرقمية. وفيما يخص دورة 2026، أشارت تحليلات منصة "سكرين دايلي"  إلى عودة قوية "لحزم الأفلام الكبرى" التي تقود السوق؛ حيث يتم تداول مشاريع لنجوم عالميين بأسعار تتراوح ما بين 15 إلى 40 مليون دولار لحقوق التوزيع الدولي للمشروع الواحد، ما يعكس ثقة الموزعين في استعادة دور السينما لزخمها التجاري.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">هذا الحراك يمتد ليشمل قطاعات السياحة والضيافة في جنوب فرنسا؛ إذ أكدت بيانات قصر المهرجانات والمؤتمرات في كان لعام 2025 أن الأنشطة المقامة في المهرجان تحقق عوائد اقتصادية مباشرة للمدينة والمنطقة تقدر بنحو 1.07 مليار يورو (ما يعادل 1.15 مليار دولار تقريباً)، مدفوعة بمئات الآلاف من الليالي الفندقية التي يحجزها صناع القرار والمستثمرون والوفود الدولية.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false"><b>ميزانية التنظيم </b></div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">إلى جانب العوائد، كشف التقرير المالي لإدارة مهرجان كان الصادر في مايو 2026 عن رصد ميزانية تشغيلية للتنظيم تتجاوز 32 مليون يورو (ما يعادل 35 مليون دولار)، يتم تمويل نصفها من قبل وزارة الثقافة الفرنسية والسلطات المحلية، بينما تغطي عقود الرعاية والشراكات التجارية النصف الآخر. وفي تحول بارز في موازين القوى المالية، أكد تقرير استشرافي لمنصة "فارايتي" ) أن منصات البث الرقمي الكبرى (مثل نتفليكس وآبل وأمازون) رصدت ميزانية استحواذ مجمعة لدورة عام 2026 تتجاوز 450 مليون دولار مخصصة حصرياً للأفلام والمشاريع المعروضة في المهرجان، بزيادة قدرها 12% عن العام الماضي.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false"><b>السينما وتحولات التكنولوجيا والإنتاج المشترك</b></div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">في ظل التوترات الجيوسياسية، تكتسب الأفلام الـ 22 المشاركة في المسابقة الرسمية لعام 2026 دوراً يتجاوز الترفيه. وفي تطور لافت، أفاد تقرير لوكالة "رويترز" (Reuters) للأنباء أن إدارة المهرجان وسوق الفيلم خصصت هذا العام برامج ونقاشات تركز على دمج تقنيات الذكاء الاصطناعي وجيل الإنترنت الثالث اللامركزي (Web3) في بيئات التصوير والتعاملات السياحية لتقليل تكاليف الإنتاج.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وعلى صعيد هيكلة الإنتاج، أشارت بيانات "المرصد السينمائي الأوروبي"  إلى أن 60% من المشاريع المعروضة في دورة 2026 تعتمد على "الإنتاج المشترك" بين قارات مختلفة، وهو تكتيك اقتصادي يهدف لتوزيع مخاطر الاستثمار السينمائي، حيث قُدرت قيمة هذه الشراكات العابرة للحدود بمليارات الدولارات خلال أيام المهرجان الأولى.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">برز "الأصل البيئي" كجزء من القيمة الاقتصادية المضافة؛ حيث أوضح العمدة ديفيد ليسنارد في خطة عمل بلدية كان لعام 2026 استثمار أكثر من 715 مليون يورو في البنية التحتية والترميم الحضري للمدينة لضمان استمرارية تنافسيتها. وفي سياق متصل، أفاد تقرير المسؤولية الاجتماعية للمهرجان أن التحول نحو الممارسات الصديقة للبيئة جذب رعاة جدد وضخ استثمارات تسويقية إضافية بلغت 35 مليون يورو.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">يبقى مهرجان كان مثالاً حياً على التداخل بين الفن والاقتصاد؛ فبين عدسات المصورين وصفقات المنتجين، يستمر "كان" في أداء دوره كمرآة تعكس العالم ومنصة تسهم في صياغة مستقبله. وحسبما أظهرت بيانات التقرير الاقتصادي لمنطقة "إيل دو فرانس" (Île-de-France)، فإن المهرجان يدعم آلاف الوظائف ويحرك قطاعاً سينمائياً محلياً يتلقى دعماً حكومياً متوسطه 20 مليون يورو سنوياً لضمان استدامة هذه الصناعة كأداة تأثير عالمي.</div></p>

قوة ناعمة وسوق بمليارات الدولارات

كيف يحرك مهرجان كان 1.1 مليار دولار

<p class='article-text'><div data-empty="false">بدخول عام 2026، أصبحت معالم السينما في هذا العقد واضحة لدارسي الظواهر الفنية ومراقبيها ككاتب هذه السطور، والموضوع الذي تجنبنا الخوض فيه منذ ثلاثة أعوام لعدم وضوح الرؤية أصبح جاهزاً للطرح والنقاش اليوم. </div></p><p class='article-text'>دخلت علينا جائحة في بداية 2020 لم يسبق لها مثيل في التاريخ الحديث، وآخر جائحة حدثت قبلها بـ 100 عام. هذه الجائحة لم تكتفِ بتدمير اقتصادات العالم، لكنها تركت أثراً عميقاً على عادات وسلوك الناس.</p><p class='article-text'>سينما ما بعد كوفيد ليست ميتة، ولكنها ضاقت وأصبحت متقلبة، ومدفوعة بأفلام التجربة السينمائية ولا ترحم. أفضل عبارة لوصف ذلك: قبل كورونا كان الذهاب إلى السينما عادة أسبوعية/ نصف شهرية. بعدها، أصبح الذهاب إلى السينما قراراً حاسماً.</p><p class='article-text'>هذا التغيير البسيط يفسر معظم ما حدث في هذه الصناعة.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">تبدل نموذج العمل السينمائي بفعل أربعة عوامل كبرى:</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">الأول: انهيار النافذة السينمائية للفيلم بشكل كامل قبل عودتها بشكل جزئي.</div></p><p class='article-text'>قبل كوفيد كان الفيلم يعرض حصرياً في السينما مدة 90 يوماً. بعد الجائحة، عودت الاستوديوهات الجماهير على توفر الفيلم على منصات البث في المنازل بعد السينما بفترة بسيطة قُدرت بأسبوعين فقط.</p><p class='article-text'>بعد زوال الجائحة، اتفق موزعو الأفلام على فترة جديدة ثابتة لحصرية الفيلم في السينما وهي 45 يوماً. وهي فترة وسطية بين النموذج القديم والنموذج الجديد الذي خفض فترة الانتظار للجماهير.</p><p class='article-text'>وكانت استوديوهات يونيفرسال هي أول من حطم النموذج القديم بسبب مصادفة إطلاق منصة بثها الخاصة (بيكوك) في عام 2020 نفسه. واعترف مالكو صالات السينما أن ضيق النافذة السينمائية الجديد أضعف عادة الذهاب إلى السينما.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">الثاني: انتقال مركز الجاذبية الاقتصادي من «صندوق التذاكر» إلى «تسييل المحفظة السينمائية». يعني الفيلم لا يحكم عليه بأدائه في شباك التذاكر فقط، لكن بأدائه أيضاً على منصات البث ومعدل الاحتفاظ بالمشتركين في تلك المنصات، إضافة إلى الحقوق العالمية والترويج التجاري ونمو الفيلم إلى سلسلة سينمائية. </div></p><p class='article-text'>الأرقام منذ 2021 أشارت بوضوح أن أرباح العروض السينمائية مضافاً إليها أرباح منصات البث تجاوزت أرقامها المعلنة قبل الجائحة، ما يشير إلى تحول جديد في الجاذبية الاقتصادية.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">الثالث: تآكل طبقة أفلام الميزانية المتوسطة، بمعنى أن الجمهور ينظر فقط إلى أفلام التجربة السينمائية الضخمة (بلوكباستر)، بينما الأفلام المستقلة أو ذات الميزانية المنخفضة تتنفس فقط في المهرجانات ومواسم الجوائز أو صفقات منصات البث، لكن الأفلام ذات الميزانية المتوسطة ماتت تماماً.</div></p><p class='article-text'>وهي التي كانت قبل كوفيد تزدهر من خلال ترويج النقاد وكلام الناس عبر اقتراحها لبعضهم البعض، ماتت بسبب توقع الناس سرعة انتهاء عرضها السينمائي، وبالتالي ينتظرونها في بيوتهم، وبهذا ضعف أداؤها خصوصاً في الأسابيع الافتتاحية، وبالتالي تقلصت نافذة العرض وفقدت نصيبها من شباك التذاكر.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">الرابع: تحول صالات السينما من مجرد قاعات عرض إلى وجهات فاخرة تضم خدمات مطاعم تحمل اسم شيف شهير ومقاعد وثيرة إلكترونية تتحول إلى أسرّة وخدمات فندقية كتوفير وسادات وبطانيات لمن أراد مشاهدة الفيلم مستلقياً، وكذلك خدمات إيصال الطلب إلى داخل الصالة وإمكانية حضور النادل إلى مقعدك بضغطة زر. </div></p><p class='article-text'>صالات السينما لم تعد تنافس بعضها البعض، ولكن باتت تنافس المطاعم وصالتك المنزلية في آن واحد، خصوصاً لصغار السن.</p><p class='article-text'>وهو ما ينسجم مع التحول السلوكي للجماهير من حضور اعتيادي كل أسبوع قبل كوفيد إلى تجربة سينمائية تستحق الخروج إلى المنزل من أجلها.</p><h2>من المستفيد من هذا التغيير؟</h2><p class='article-text'><div data-empty="false">الفائز الأكبر هي أفلام التجربة السينمائية والفرانشايز والرعب والأنيميشن وأي فيلم يتمتع بسمات اجتماعية أو إبهار بصري يبرر عناء الرحلة من المنزل إلى السينما. صالات العرض أصبحت مكاناً لعرض أفلام تتمتع بالضخامة والسرعة والتفاعل المشترك. </div></p><p class='article-text'>الفائز الثاني هم مالكو الصالات السينمائية الفاخرة، فالدراسات السلوكية أثبتت أن خدمات العرض الفاخرة أصبحت أحد أقوى الأسباب لتفضيل الناس الخدمات الراقية على تجربة المشاهدة المنزلية.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">إلى جانب الاستوديوهات والموزعين الذين فهموا قواعد اللعبة الجديدة، برز لاعبون ليسوا جدداً بالضبط، لكنهم نجحوا في الانتقال من عالم قبل كوفيد إلى الوضع الجديد، شركات متوسطة مثل A24 ونيون المتخصصتين بشكل استثنائي في تحويل أفلام مختارة إلى لحظات ثقافية بارزة. </div></p><p class='article-text'>حسب موقع فراييتي فإن الشركتين أعلنتا أرباحاً قياسية لعام 2024. وبالنسبة لنيون فإن توزيعها لأفلام دراما راقية أسهم بقوة في إبقائها داخل المنافسة السينمائية في عالم ما بعد كوفيد.</p><p class='article-text'>في استطلاع رأي لمنظمة «Pew»، تبين أن نسباً متزايدة من الكبار تحت سن 50 ذهبت إلى السينما، كما نشرت منظمة سينما يونايتد بالتعاون مع NRG بيانات عكست صعوداً في أعداد رواد السينما من جيل زد في 2025.</p><p class='article-text'>هذا لا يعني أن عادة الذهاب إلى السينما رجعت كما كانت قبل 2020، لكن يعني أن السينما ما زالت تتمتع بطاقة الشباب عندما يكون المعروض بسمات اجتماعية أو خاصة تستدعي تلبيته.</p><h2>من الخاسرون؟</h2><p class='article-text'><div data-empty="false">الخاسر الأول أفلام الدراما الموجهة للكبار ذات الميزانية المتوسطة، وكذلك الأفلام الأصلية (يعني أفلام فكرتها أصلية وغير مرتبطة بسلسلة شهيرة). هذه الفئة لم تخسر لأن الجمهور يكرهها، لكن لأنها ظلمت، بسبب تبدل الظروف، والمنافسة الشديدة في الصالات وانجذاب الناس للخيارات المنزلية.</div></p><p class='article-text'>ازدهرت هذه الأفلام قبل كورونا اعتماداً على ترويج الناس من خلال اقتراحاتهم لبعضهم البعض، ولعدم وجود بديل داخل المنازل، أو لعدم قوته وقتها، أما اليوم فأصبح الحكم عليها سريعاً وسط المنافسة في الصالات وفي المنازل.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">قالت منظمة «Pew» إن 53 % من الأمريكيين قالوا إنهم شاهدوا فيلماً داخل السينما بين صيف 2024 والصيف الذي يليه. </div></p><p class='article-text'>هذا لا يعد انهياراً، لكنه بعيد عن التصور القديم الذي كان مفاده أن الذهاب إلى السينما كان روتيناً منتظماً ومشتركاً للجمهور العام.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">منصات البث في عالم ما بعد كوفيد، والتي حاولت قتل السينما تعلمت درساً قاسياً، فقد سحبت شركة آبل أفلاماً ذات كلفة عالية أخفقت في شباك التذاكر بسبب تغير سلوك الجماهير، وضاعت وسط الزحام الرقمي عندما تجاهلت آبل العروض السينمائية وطرحت الأفلام على منصتها فقط.</div></p><p class='article-text'>ما يشير إلى أن الدراما الراقية (برستيج) وقوة النجوم لا تكفيان إذا كانت الاستراتيجية السينمائية غير واضحة أو غير ثابتة.</p>

نتائج البحث عن: الفن السابع